Como cinéfilo que ha pasado innumerables horas inmerso en el mundo del cine, puedo decir con seguridad que Francis Ford Coppola es uno de los más grandes directores que ha aparecido en la pantalla grande. Su obra es nada menos que notable, cada película más cautivadora y estimulante que la anterior.
El legendario cineasta estadounidense Francis Ford Coppola es uno de los directores más estimados de la historia del cine. Aquí hay un resumen de todas las películas que ha hecho, enumeradas de menor a mejor. A lo largo de cinco décadas, Coppola ha creado numerosas películas clásicas que han dejado una huella imborrable en la industria. Conocido por sus proyectos grandiosos y estilísticamente atrevidos, Coppola a menudo excedió los límites presupuestarios en su búsqueda de la excelencia cinematográfica. Sin duda, es una figura destacada de la era del Nuevo Hollywood, también conocida como la Nueva Ola americana, junto a otros directores destacados como George Lucas, Brian De Palma, Steven Spielberg, Martin Scorsese y Stanley Kubrick.
Los directores pioneros del movimiento Nuevo Hollywood revolucionaron la realización cinematográfica durante la década de 1960 con películas innovadoras como «Easy Rider», «Bonnie & Clyde», «The Graduate», «The Deer Hunter» y «Taxi Driver». Esta era, nacida de la contracultura, finalmente enfrentó un revés debido a los fracasos comerciales de películas como «La puerta del cielo» de Michael Cimino y «Uno del corazón» de Francis Ford Coppola. Aunque Coppola experimentó una caída en su popularidad después de su apogeo en la década de 1970, su filmografía posterior sigue llena de clásicos. Hasta el día de hoy, incluso sus películas de vanguardia y de bajo presupuesto mantienen un culto de seguidores.
Gato (1996)
La película de Robin Williams no tiene un tono cohesivo
En 1996 surgió el enigma que es la película «Jack» de Francis Ford Coppola, que puede describirse como una fusión intrigante de la película de 1988 «Big», protagonizada por Tom Hanks, y «El curioso caso de Benjamin Button». Esta cautivadora historia sigue a Jack Powell, un niño que envejece cuatro veces más rápido que los niños típicos. En esta película de Robin Williams, el polifacético actor interpreta a un personaje de diez años que habita un cuerpo de 40, creando una atmósfera incómoda pero intrigante.
La película lucha por mantener un tono consistente y a menudo resulta extraña debido a su trama inusual, a pesar de los esfuerzos de Coppola por enfatizar su absurdo a través de momentos emotivos. Desafortunadamente, el guión no logra aprovechar plenamente el hilarante talento del fallecido Robin Williams.
Demencia 13 (1963)
El primer largometraje del director se realizó de forma desordenada
La primera película de Francis Ford Coppola, titulada ‘Dementia 13’, fue una producción de Roger Corman y marcó su primera incursión en el cine. Esta historia de suspense, escrita por el propio Coppola, gira en torno a una viuda que viaja al castillo irlandés de su difunto marido con la intención de asegurarse un lugar en su testamento. Curiosamente, Corman solicitó que Coppola emulara la icónica película en blanco y negro ‘Psicosis’ de Alfred Hitchcock, utilizando fondos sobrantes de una de las producciones anteriores de Corman.
Como fan, debo admitir que si bien aprecio la rápida producción de «Dementia 13«, está claro que se hizo en sólo nueve días. Las escenas de asesinatos son bastante poco memorables, lo que hace que el clímax parezca desigual. Además, la película se ve empañada por algunos molestos errores de continuidad visual que distraen la atención de la historia, y el guión parece estar confundido acerca de si el nombre del castillo es «Castle Howard» o «Castle Haloran».
El arcoíris de Finian (1968)
El musical de Coppola no supo aprovechar su mayor fortaleza
De vuelta al ritmo de las cosas, recientemente revisé la obra maestra menos famosa de Coppola, «Finian’s Rainbow». Esta cautivadora joya cinematográfica de 1968 es una adaptación cinematográfica de un musical teatral con un toque diferente: Coppola da nueva vida al clásico musical de Hollywood, en profunda resonancia con las corrientes sociopolíticas de los años 60.
Finian’s Rainbow lucha por combinar un musical de Broadway con una sátira política, pero no lo logra de manera efectiva. A pesar de algunas escenas agradables, la ejecución de la película es desigual y nunca aprovecha plenamente su potencial. Un defecto notable en la producción es el encuadre que ocasionalmente oscurece los pies de Fred Astaire durante las secuencias de baile, disminuyendo uno de los aspectos más destacados de la película.
Megalópolis (2024)
La película de ciencia ficción tiene demasiadas ideas para agruparlas en 2 horas y 14 minutos
Casi cuatro décadas después de concebirlo por primera vez, Francis Ford Coppola finalmente dio vida al ambicioso proyecto titulado Megalopolis. Lamentablemente, esta larga película no cumplió con las expectativas y dejó a los espectadores decepcionados. La historia se desarrolla en una ciudad de Nueva York alternativa del siglo XXI, llamada Nueva Roma, donde el protagonista, el arquitecto César Catilina, intenta reconstruir la ciudad después de una calamidad, pero encuentra la oposición del alcalde Franklyn Cicero. A pesar de haber sido una decepción económica en taquilla, Megalópolis no supuso un problema económico para Coppola ya que él mismo financió la producción.
En Megalópolis, es evidente que no hay suficiente orientación, lo que lleva a una historia demasiado compleja y desenfocada. La película a menudo se desvía de su trama principal debido a numerosas tramas secundarias, lo que la hace parecer poco pulida. En lugar de desarrollar personajes convincentes, dedica demasiado tiempo a construir el paisaje urbano. Megalópolis tiene un aire pomposo que hace que ver esta película defectuosa sea una experiencia incómoda. Esencialmente, la obra maestra de ciencia ficción de Coppola está empañada por la autocomplacencia, lo que la hace difícil de soportar.
Ahora eres un niño grande (1966)
Esta comedia romántica es un reloj divertido que no va más allá de las convenciones de género
La segunda película de Coppola, titulada «Ahora eres un gran chico«, es una versión humorística de la novela homónima de 1963 de David Benedictus, que se trasladó de Londres a Nueva York. La historia gira en torno a Bernard Chanticleer, de 19 años, mientras se esfuerza por liberarse del control de sus padres excesivamente protectores. Esta película es una exploración absurda y humorística de las aventuras románticas de un joven en la ciudad de Nueva York, centrándose en sus complejas relaciones.
You’re A Big Boy Now presenta una producción elegante y una actuación convincente, lo que marca un debut impresionante para Coppola. La película sigue los tropos tradicionales de la comedia romántica, lo que la hace menos innovadora en comparación con otros trabajos del director. Sin embargo, su sencillez no disminuye su valor de disfrute y sirve como una valiosa instantánea de las primeras comedias románticas.
Jardines de piedra (1987)
El drama militar de Coppola no alcanza el nivel del apocalipsis ahora
El drama militar de 1987 de Francis Ford Coppola, titulado «Gardens Of Stones«, puede verse como un sucesor espiritual de su renombrada epopeya sobre la guerra de Vietnam, «Apocalypse Now«. Basada en la novela del mismo nombre de Nicholas Proffitt, esta película se centra en un veterano curtido en batalla interpretado por James Caan. Asignado a «La Vieja Guardia» estacionada en Fort Myer, Virginia, pasa a formar parte de la Guardia de Honor del Ejército de los EE. UU. que lleva a cabo deberes ceremoniales para los funerales de los soldados fallecidos.
La película sirve como un tributo profundamente emotivo a un conflicto sin sentido y a las innumerables vidas que cobró, pero desafortunadamente, «Gardens Of Stones» lucha tras la sombra de su predecesor. Parece no alcanzar la grandeza exhibida en la película de guerra anterior de Coppola, lo que demuestra una falta del mismo espíritu ambicioso, que podría haber sido potencialmente más impactante si se hubiera estrenado a una mayor distancia de la obra maestra de Coppola.
Twixt (2011)
La fantasía surrealista de Coppola toma prestados elementos de sus películas anteriores
Sin duda, Twixt se sitúa entre las producciones más insólitas, oníricas y vanguardistas de Coppola. Esta película sirvió como la última pieza del estimado director antes de tomarse un descanso, regresando al cine después de un intervalo de 13 años con su proyecto posterior, Megalopolis. La trama gira en torno a Hall Baltimore (interpretado por Val Kilmer), un escritor en apuros que se encuentra en un pequeño pueblo tratando de desentrañar el misterio de un asesinato mientras está allí para firmar libros. A medida que se desarrolla la historia, navega por los límites entre la realidad y la fantasía.
Aunque puede que no sea tan popular como otras obras de Coppola, esta película muestra varios de sus elementos distintivos y alusiones a creaciones pasadas, incluidas las suyas y las clásicas, así como referencias personales de su vida, como la trágica fallecimiento de su hijo Gian-Carlo. Ofrece un viaje cinematográfico peculiar, pero que resulta particularmente satisfactorio para los entusiastas dedicados de Coppola.
El padrino parte III (1990)
La tercera instalación tiene mucho menos impacto que las dos primeras películas del Padrino
Aunque algunos podrían argumentar que “El Padrino III” se queda corto en comparación con sus predecesores, todavía ofrece sus propias cualidades únicas. Originalmente, Francis Ford Coppola no pretendía que fuera la tercera película de una trilogía; en cambio, lo vio como un epílogo. El título original y final de la película es «La muerte de Michael Corleone», lo que refleja el enfoque de la narrativa. Así como la Parte II conectó el negocio de la familia Corleone con la Revolución Cubana en la década de 1950, «El Padrino III» continúa este tema integrando la historia de Michael con los escándalos que rodearon al Vaticano a finales de los 70 y principios de los 80.
Es evidente que para Coppola estas películas no trataban únicamente de la historia de un mafioso italoamericano; en cambio, profundizan en una fusión de temas como la moralidad, la religión y la familia, que son aspectos importantes de la historia estadounidense. Por lo tanto, aunque la elección de Coppola de elegir a su hija Sofia Coppola como Mary fue desafortunada, la película aún logra ofrecer una conclusión adecuada a la trágica saga de la familia Corleone.
El hacedor de lluvia (1997)
The Rainmaker llena a los espectadores de justa indignación
La adaptación de 1997 de «The Rainmaker», de Francis Ford Coppola, se distingue entre las numerosas adaptaciones de John Grisham de los años 90. La película presenta a Matt Damon interpretando a Rudy Baylor, un recién graduado de la facultad de derecho que se enfrenta a una compañía de seguros en esta historia de David contra Goliat. Si bien puede no poseer el mismo nivel de ambición estilística o narrativa que otras obras de Coppola, «The Rainmaker» demuestra ser un atractivo drama legal que arroja luz sobre el tambaleante sistema de seguros de Estados Unidos.
En «The Rainmaker», la comedia sirve como contrapeso a sus temas importantes sin trivializar la gravedad. Es fácil identificarse con los personajes, lo que mejora su impacto emocional en los espectadores. Lo que realmente despierta nuestras emociones en esta película es la intensa lucha de poder que retrata.
El club del algodón (1984)
Copolla se reúne con el equipo de su padrino para una película menos impresionante
Tras las decepciones financieras de sus películas recientes, The Cotton Club reúne a Coppola con sus socios de El Padrino, el escritor Mario Puzo y el productor Robert Evans. Esta película supone el reingreso de Coppola al mundo de la violencia de las pandillas de moda, ya que narra la historia de Michael «Dixie» Dwyer (interpretado por Richard Gere), un músico apoyado por la mafia que salta a la fama en Hollywood. Sin embargo, Dixie finalmente se ve envuelta en medio de un brutal conflicto de pandillas.
De una manera que recuerda gran parte del trabajo de Coppola de los años 80, parece que priorizó la creación de una película imbuida de jazz en lugar de refinar las complejidades de la trama en The Cotton Club. Como resultado, la trama puede parecer débil. También se sugiere que la productora lo obligó a recortar su película, centrándose más en narrativas que involucran personajes blancos que negros (como informó Deadline). Sin embargo, The Cotton Club ofrece una mirada absorbente al Harlem de la década de 1930, y la versión del director de Coppola lanzada en 2019 aborda muchos de los problemas.
Juventud sin juventud (2007)
El drama se inclina hacia la extraña premisa mientras hace preguntas existenciales
En 2007, Coppola asumió la tarea de adaptar la novela corta de Mircea Eliade de 1976 «Juventud sin juventud«. Esta película presenta una historia inusual y mística sobre un académico rumano (interpretado por Tim Roth) que, tras la caída de un rayo en 1938, experimenta un rejuvenecimiento milagroso. Luego escapa a Suiza, perseguido por los nazis debido a sus habilidades psíquicas recién descubiertas. Al llegar, se cruza con una reencarnación del amor de su juventud.
Juventud sin juventud representa el regreso del director al cine después de una pausa de diez años, y es sin duda uno de los dramas independientes más desconcertantes y filosóficamente atrevidos de la década de 2000 (junto con Twixt< del propio Coppola). /em>, ciertamente). Juventud sin juventud encuentra un lugar entre las películas de Coppola no por deficiencias, sino porque las otras películas del director son excepcionales en términos de calidad, narración y atractivo estético.
Los forasteros (1983)
El S.E. de Coppola La adaptación de Hinton es un elemento básico de las películas para adolescentes de los 80
The Outsiders marca la adaptación inicial de Francis Ford Coppola de una novela de S.E. Hinton. Tanto el libro como la película narran la historia de dos «greasers» que huyen después de haberse enfrentado fatalmente con un miembro de una pandilla rival. La película cuenta con un elenco talentoso de actores en ciernes, incluidos Matt Dillon, Diane Lane, Emilio Estevez, Tom Cruise, Rob Lowe y Patrick Swayze.
En su cautivador retrato de las arenosas calles de Oklahoma bajo la luz de la luna y un amplio cielo azul, Coppola teje una conmovedora historia de la adolescencia, teñida de rebelión y enredada en el crimen y la violencia para una generación que parece haber perdido el rumbo. Los personajes encarnan la turbulencia de la vida adolescente sin parecer melodramáticos. Además, el estilo de dirección de Coppola en The Outsiders es elogiado por su autenticidad, ya que presenta la historia con sinceridad en lugar de manipular al público, un rasgo común en muchos dramas.
Tetro (2009)
Tetro revisita el tema de la dinámica familiar
En Tetro, el director Francis Ford Coppola se adentra en un territorio familiar con una historia sincera sobre los conflictos familiares y la ascendencia. Esta película gira en torno a los hermanos Bennie (interpretado por Alden Ehrenreich) y el enigmático «Tetro» (interpretado por Vincent Gallo), mientras Bennie se esfuerza por cerrar la brecha con su esquivo hermano. El énfasis en el vínculo familiar y la cinematografía monocromática se remontan al trabajo anterior de Coppola, Rumble Fish, mientras que la banda sonora melódica recuerda a su película One From The Heart.
En esencia, Tetro, una película escrita por el propio Coppola, resuena fuertemente con varios de los motivos clásicos e inclinaciones creativas del director. Es evidente que puso su corazón en este proyecto. Además, lo que realmente hace que la película brille es la actuación excepcional de Vincent Gallo y Alden Ehrenreich.
Uno del corazón (1981)
El romance de Coppola brilla por sus impresionantes imágenes
Como entusiasta del cine, debo confesar que «One From The Heart», estrenada en 1982, se destaca como una de las obras maestras visualmente cautivadoras de Francis Ford Coppola. Sin embargo, fue esta película la que marcó el final de su impresionante racha de éxitos de crítica y taquilla en los años 70. Desafortunadamente, la historia no encontró eco en muchos críticos, quienes la encontraron carente de sustancia.
En esta película vemos la historia de Frannie (Teri Garr) y Hank (Frederic Forrest), una pareja que no es feliz en su matrimonio. Cada uno de ellos vive una noche mágica y romántica lejos del otro, llena de encuentros idealizados. Hank deambula por las calles de la ciudad con un artista de circo, mientras Frannie pasa la noche con un atractivo camarero. Coppola prepara el escenario para esta cautivadora historia cinematográfica utilizando las luces deslumbrantes y las animadas calles de Las Vegas como telón de fondo.
Drácula de Bram Stoker (1992)
La comedia obscena y violenta abraza el campismo
En lugar de centrarse en reducir la historia original de Bram Stoker a sus aspectos góticos centrales, Coppola optó por sumergirse en los elementos exagerados, encontrando influencia en los thrillers de explotación. La película está llena de sangre, desnudez y violencia. Desafortunadamente, la película, titulada Drácula de Bram Stoker, recibió reacciones encontradas tras su estreno en 1992. Mientras que algunos críticos admiraron la ambición atrevida y los efectos visuales tradicionales de la película, otros quedaron desconcertados por su tono peculiar. y estilo excesivo.
Aunque recibió críticas mixtas, Drácula de Bram Stoker se ubica en algún lugar entre el nivel medio y superior entre las películas de Coppola. En particular, la interpretación de Gary Oldman es uno de los aspectos más destacados de esta película. Al dirigirlo, Coppola animó a Oldman a darle vida al mito de Drácula de la forma más vibrante y memorable posible, dando como resultado una versión extraordinaria e inolvidable del personaje icónico.
Peggy Sue se casó (1986)
La comedia adolescente de Coppola captura la nostalgia de la década de 1950
La película titulada «Peggy Sue Got Married» gira en torno a Peggy Sue Bodell (interpretada por Kathleen Turner), quien misteriosamente se desmaya en su reunión de 25 años de la escuela secundaria y es inexplicablemente transportada a su vida en 1960 durante sus días de escuela secundaria. En lugar de convertirse en una típica comedia realista mágica basada en una premisa aparentemente efectista, el director Francis Ford Coppola explora hábilmente el anhelo nostálgico que impregna estos recuerdos, haciendo que la historia sea mucho más profunda.
Coppola pretende evocar para el público la experiencia genuina de ser un adolescente en los años 50, en lugar de simplemente provocar risas por las incómodas situaciones de Peggy Sue. Los coches, la vestimenta, el humor y la bruma sentimental de un pasado parcialmente recordado son los aspectos que destaca la película.
La gente de la lluvia (1969)
El drama toca importantes temas feministas
The Rain People» a menudo se pasa por alto como una de las películas menos conocidas de Coppola, realizada en 1969, tres años antes de que el director alcanzara un amplio reconocimiento con El Padrino. Esta película minimalista y terrenal La película de viaje por carretera sigue a Natalie Ravenna (Shirley Knight), quien un día decide abandonar su matrimonio y emprender un viaje en su camioneta.
La película se alinea bien con los dramas independientes del Nuevo Hollywood de finales de los años 60, como «Easy Rider», pero lo que distingue a «The Rain People» es su interpretación profunda y emocionalmente resonante de temas feministas. En particular, a lo largo de su odisea, Natalie lucha intensamente por encontrar su papel en la vida, una búsqueda de autodescubrimiento que finalmente termina en dolor.
Pez retumbante (1983)
Rumble Fish es una de las películas más íntimas de Francis Ford Coppola
Es evidente que Rumble Fish fue un esfuerzo profundamente personal para Francis Ford Coppola. Como cineasta, colaboró con S.E. Hinton, el escritor de la novela original, en la elaboración del guión. Curiosamente, este proyecto se produjo simultáneamente con otra adaptación de la obra de Hinton, The Outsiders. El elenco de Rumble Fish comparte algunas caras familiares, en particular Mickey Rourke como Motorcycle Boy, pero se distingue de The Outsiders en términos de humor y estética.
En este drama sobre la mayoría de edad, la historia se desarrolla en blanco y negro, acompañada de una partitura musical inusual y poco convencional, compuesta por Stewart Copeland de The Police. El director Coppola entreteje una narrativa de forma libre para crear una exploración onírica y estimulante de la juventud y la familia, mostrando una atmósfera de vanguardia.
Tucker: El hombre y su sueño (1988)
La película biográfica de Preston Tucker es un derribo del capitalismo
La película «Tucker: El hombre y su sueño», dirigida por Coppola, retrata la vida de Preston Tucker, un emprendedor innovador que pretendía crear su propio automóvil pero enfrentó desafíos por parte de las principales empresas automovilísticas. A primera vista parece una típica película biográfica de Hollywood. Sin embargo, debajo de su representación elegante y dinámica de la época, esta película transmite sutilmente las experiencias personales de Coppola y sus luchas dentro de la industria cinematográfica.
En última instancia, Tucker: The Man And His Dream sirve como una crítica sombría de la inclinación del capitalismo a priorizar a los ricos mientras sofoca el ingenio y el entusiasmo personal, que parece resonar aún más hoy que cuando se publicó por primera vez, reflejando el cinismo y la antipatía contemporáneos. Sentimientos capitalistas.
La conversación (1974)
El thriller a cámara lenta de Coppola ofrece actuaciones increíbles
En pocas palabras, «La conversación» de Coppola (estrenada en 1974) es una película de suspense que desató la tendencia de las películas de conspiración estadounidenses posteriores a Watergate, allanando el camino para películas como «Todos los hombres del presidente», «The Parallax View» y «Tres Días Del Cóndor». Esta película se centra en un profesional de la vigilancia por audio que, sin saberlo, se ve envuelto en una intriga política cuando sus grabaciones exponen un asesinato. Esencialmente, «The Conversation» puede verse como una adaptación moderna de la película «Blow-Up» de Michelangelo Antonioni de 1966, con el enfoque desplazado de la fotografía a la vigilancia sonora.
La película describe hábilmente un país desgarrado por la sospecha que surge cuando el poder se vuelve poco confiable, y es la interpretación excepcional de Gene Hackman de Harry Caul la que realmente impulsa la tensa trama de la obra maestra de Francis Ford Coppola, La conversación. Con el tiempo, este apasionante thriller se ha vuelto más aplicable a nuestras preocupaciones sociales actuales.
El padrino (1972)
El Padrino es una de las películas más prolíficas de todos los tiempos de Francis Ford Coppola
En términos más simples, la película de 1972 «El Padrino», dirigida por Francis Ford Coppola, es sin duda su obra más reconocida. Esta película, basada en la novela homónima de Mario Puzo de 1969, se eleva por encima del típico género mafioso, transformándolo en una exploración intelectual de la tragedia. La experiencia italoamericana se profundiza a través de la familia Corleone, con Vito (interpretado por Marlon Brando) como el patriarca y Michael (Al Pacino) asumiendo el mando más adelante.
La película se centra principalmente en Michael adaptándose a su estilo de vida criminal dentro de su familia después de la Segunda Guerra Mundial, después de haber servido como infante de marina. El viaje de Michael constituye el corazón de este drama de tres horas, que simboliza los aspectos más oscuros del ideal estadounidense.
El padrino parte II (1974)
La secuela de El Padrino eclipsa a la original basándose en el drama y los temas
En 1974, Francis Ford Coppola lanzó la secuela de su adaptación cinematográfica aclamada por la crítica de la novela de Mario Puzo, titulada «El Padrino II«. Esta epopeya, que abarca más de 200 minutos, continúa la historia unos años después de los acontecimientos de la primera película. Sin embargo, también presenta una narrativa de flashback entrelazada que detalla el ascenso de Vito Corleone, hábilmente interpretado por Robert De Niro. En lugar de ser una mera toma de dinero aprovechando el éxito y los elogios de «El Padrino«, esta secuela evoluciona hacia una exploración profunda del viaje de los inmigrantes en los Estados Unidos de principios del siglo XX.
Como entusiasta del cine, no puedo evitar maravillarme de cómo Francis Ford Coppola entrelaza hábilmente dos líneas de tiempo en la saga «El Padrino», creando un vívido tapiz histórico del declive moral de la familia Corleone. La historia comienza con una representación casi bíblica de la huida del joven Vito de Sicilia y luego desarrolla la trágica cadena de acontecimientos que culminan con el ascenso de Michael al poder en los años 50. En mi opinión, «El Padrino 2» supera a la obra maestra original porque Coppola amplía el alcance narrativo, ofreciendo una perspectiva singularmente innovadora y visionaria del género criminal.
Apocalipsis ahora (1979)
Apocalipsis ahora muestra la brillante mente artística de Coppola
En un notable giro de los acontecimientos, Francis Ford Coppola adaptó la novela de Joseph Conrad, El corazón de las tinieblas, y la situó en el contexto de la guerra de Vietnam en Apocalypse Now. El desgarrador viaje liderado por el Capitán Willard (Martin Sheen) y su equipo a lo largo de un río, en busca del Coronel Kurtz (Marlon Brando), es posiblemente una de las representaciones de terror más apasionantes jamás capturadas en una película. Teniendo en cuenta los desafíos que Coppola encontró durante el proceso de realización cinematográfica, es nada menos que una maravilla cinematográfica que Apocalypse Now haya resultado tan convincente como lo hizo.
Los arduos esfuerzos y la inquebrantable determinación de Francis Ford Coppola, tal como se retratan en el documental ‘Hearts Of Darkness‘, transforman la crítica de los años 70 a la guerra de Vietnam en una exploración dramática de los abismos más profundos de la inmoralidad humana. Entre sus notables obras de la década de 1970, ‘Apocalypse Now‘ se erige como el mayor logro de Francis Ford Coppola: cada película supera a su predecesora, todas obras maestras. A lo largo de 50 años de carrera, Francis Ford Coppola ha producido numerosos íconos cinematográficos, pero ‘Apocalypse Now‘ es sin duda su contribución más significativa al arte del cine.
- Star Wars: 10 detalles que respaldan la teoría de Darth Jar Jar
- Impacto de Genshin: Guía Keqing de ecos previstos
- 10 películas de terror psicológico para ver antes de Smile 2
- La decepcionante historia de salida de Dixon de la temporada 24 de Ley y orden podría estar generando un giro horrible
- Las 15 mejores citas de L en Death Note
- El epílogo de Long Lost Fullmetal Alchemist confirmó el destino verdaderamente extraño de Ed y Al mucho después del final de la serie
- Cómo resolver el gabinete de monedas de Silent Hill 2 Remake
- ¿Joker: Folie a Deux tiene escena post-créditos?
- Introducción a Unreal Tournament 99 reinventada en Unreal Engine 5
- Se informa que Ghost of Yotei está llevando en masa a novatos curiosos y fanáticos inactivos a Ghost of Tsushima.
2024-10-10 03:40