Como entusiasta del teatro que ha pasado innumerables horas inmerso en el mundo del drama, debo decir que quedé completamente cautivado por las producciones del The Yard Theatre en Hackney. La Pulga, en particular, me dejó hechizado con su intrigante mezcla de chismes históricos y relevancia contemporánea.
Otelo (Teatro Real de Shakespeare, Stratford-upon-Avon)
Veredicto: Moor es menos
No es necesario estar despierto para encontrar incómodo ver Otelo de Shakespeare. Después de todo, esta es una obra que culmina en lo que sólo puede describirse como un asesinato por honor: cuando el héroe titular asesina a su adorada joven novia, Desdemona.
A pesar de que Otelo pudo haber sido engañado para que sintiera celos, sigue siendo un desafío respaldar su afirmación de que sus acciones son nobles.
Curiosamente, parece que la última producción de Tim Carroll para la Royal Shakespeare Company de Stratford parece decidida a minimizar este aspecto inquietante.
En esta reinterpretación, John Douglas Thompson asume el papel del estimado general, mientras que Juliet Rylance encarna a Desdemona y Will Keen interpreta al astuto soldado Iago que manipula a Otelo. Carroll transforma la obra en una gran y solemne procesión.
La brutalidad se mantiene a distancia presentándola en lo que el programa llama un «paisaje mental».
De esta escena parece claro que estamos inmersos en una especie de realidad onírica. El ambiente es ligeramente etéreo debido a los cánticos silenciosos y melodiosos, los trajes meticulosamente diseñados para parecerse a la Venecia del siglo XVI y la ausencia de mobiliario.
Y, sin embargo, por muy elegante y de buen gusto que haga lucir la obra el diseño de Judith Bowden, y por mucho que la producción de Carroll enfatice su interioridad nerviosa y oscura, el núcleo amargo y misógino no desaparecerá.
En esta interpretación, Thompson imbuye al Moro de Venecia, un personaje que repitió en Broadway en 2009 y una vez más junto a Rylance como Desdemona, con un impresionante aire de dignidad. Este Otelo es retratado como un soldado de 60 años que lleva un paso parecido al de John Wayne, lo que sugiere que el recuerdo de su corcel endurecido por la batalla todavía resuena dentro de él.
En lugar de ser abiertamente aterrador con fuertes arrebatos, su ira es silenciosa y contenida. Parece que la envidia le ha quitado la vitalidad, en lugar de empujarle a la locura. En este gran auditorio con capacidad para mil personas, necesita un foco más brillante.
En el casting de Rylance, Desdémona, de 45 años, se alinea con la elección poco convencional de personajes maduros de Carroll. A pesar de su aspecto radiante, se aleja significativamente de la típica representación de una joven ingenua, con los ojos muy abiertos, que se muestra incrédula ante las intenciones de algunos hombres hacia las mujeres.
Sin embargo, el giro más misterioso y desconcertante es el del personaje de 54 años, muy parecido al astuto y aparentemente leal lugarteniente de Otelo, Yago. Manipula a su superior hasta provocarle una ira destructiva, aparentemente sin otro motivo que el de hacer travesuras.
No está claro hasta qué punto la interpretación de Keen de Iago realmente revela su villanía. A veces, parece como si estuviera participando en soliloquios y sus nefastos planes casi llegan a un punto muerto. Su actuación, al igual que toda la producción, se caracteriza por un comportamiento comedido, introspectivo y reflexivo.
Además, como el resto de la obra, su discurso es claro, deliberado y lógico. Sin embargo, esta claridad sirve para ocultar el torbellino de pasión, ira y horrible abuso doméstico que da forma y daña esta producción.
A Raisin In The Sun (teatro lírico, Hammersmith y gira)
Veredicto: Pasas agridulces
¿Quién no se sentiría conmovido por la apasionada súplica de Lorraine Hansberry por la igualdad de derechos en el Chicago de los años 40, tal como se retrata en A Raisin In The Sun? Esta obra, que escribió semiautobiográficamente, fue innovadora ya que la convirtió en la primera mujer negra en tener una obra en Broadway. Cuenta la historia de los desafíos de su familia al enfrentarse al racismo al mudarse a un vecindario predominantemente blanco.
En un entorno ficticio, Lena (interpretada por Doreene Blackstock) actúa como la fuerte matriarca de su familia, después de haber huido de las brutales consecuencias de la vida posterior a la esclavitud en las regiones del sur.
Después de que su esposo trabajador falleciera, ahora recibirán $10,000, una cantidad que ofrece posibilidades que cambiarán la vida de todos los involucrados.
El frustrado hijo del chófer Walter (Solomon Israel) quiere abrir una licorería. Su esposa Ruth (Cash Holland) ve el dinero como su oportunidad de escapar de su casa infestada de cucarachas. Y la hermana activista de Walter, Beneatha (Joséphine-Fransilja Brookman), quiere estudiar medicina en la universidad.
Como devoto admirador, puedo expresar que el trabajo magistral de Tinuke Craig canaliza hábilmente nuestros deseos más profundos y toca de manera conmovedora la fibra sensible de la obra al representar un escenario en el que un recién llegado del vecindario, un hombre blanco, intenta impedir que nos instalemos.
En mi opinión profesional, Craig podría beneficiarse de un enfoque más estructurado al compartir consejos para el hogar, y creo firmemente que debería haber dado más importancia al espíritu vibrante de Beneatha en lugar de retratarla como una aficionada despreocupada.
Como devoto admirador, descubrí que los ingeniosos diseños escénicos de Cecile Trémolières construyeron nuestra casa con una gasa delicada y translúcida. Esto no sólo evocaba un ambiente inquietante que recordaba tiempos pasados, sino que también insinuaba sutilmente el potencial de una metamorfosis.
Todo lo relacionado con la situación despierta una profunda emoción, haciendo que el corazón se expanda con compasión, mientras se esfuerzan por defender sus derechos políticos, económicos y humanos fundamentales como familia.
Othello se presentará hasta el 23 de noviembre, mientras que A Raisin in the Sun se presentará en el Lyric Theatre hasta el 2 de noviembre. Después de eso, se trasladará al Nottingham Playhouse del 5 al 16 de noviembre.
De qué hablamos cuando hablamos de Ana Frank (Marylebone Theatre, Londres)
Veredicto: el drama racial llega a casa
Esta no es la historia de Ana Frank, escondida en Ámsterdam en 1942, asesinada en el Holocausto e inmortalizada en su diario de adolescente.
Esta obra vivaz, locuaz e intelectualmente estimulante está habitada por ella, pero representa a dos grupos de parejas judías que, a pesar de compartir el mismo trasfondo cultural, se encuentran en mundos diferentes en todos los aspectos.
En Florida residen Phil y Debbie, que son ricos y no religiosos, mientras que Yerucham y Shoshana (antes conocidos como ellos), ahora ultraortodoxos, viven en Jerusalén. Actualmente están visitando al padre de Yerucham, un sobreviviente del Holocausto. Las dos mujeres eran compañeras de universidad, pero Phil siente aprensión hacia el tradicionalista Yerucham.
Una sucesión de momentos (algunos incómodos, otros conmovedores, divertidos, sorprendentes o enfurecedores) revelan perspectivas contrastantes sobre temas como la familia, el matrimonio, la ética, la fe, la política y un milenio de trasfondo en Oriente Medio.
El personaje de Joshua Malina, Phil, se siente frustrado por la regla que le prohíbe interactuar físicamente con Shoshana (Dorothea Myer-Bennett) y se siente secretamente atraído por su gran peluca, que usa con fines religiosos. A Debbie (Caroline Catz) no le gustan las agresivas opiniones seculares de Phil y le preocupa que Yerucham (Simon Yadoo) bromee sobre el Holocausto, ya que cree que la intervención divina finalmente resolverá todo.
Una ira profunda y atónita surge cuando se hace evidente que la pareja estadounidense cree que la pareja israelí no es verdaderamente judía.
Trevor, el hijo de Debbie y Phil, que se llama Gabriel Howell, se enfrenta a todos de una manera que sugiere una actitud adolescente escéptica. Introduce cada escena poniendo los ojos en blanco y critica duramente su cómodo materialismo al final de la primera mitad. Además, critica los diez mil años de tradiciones y rituales religiosos entre los israelíes por ser un desperdicio.
Patrick Marber colaboró con el autor Nathan Englander para revisar el trabajo original y modernizarlo para incluir feroces debates sobre el conflicto contemporáneo.
Al principio, me preocupaba que la historia pudiera perder impulso a medida que los personajes recurrieran al cannabis para calmarse, pero, sorprendentemente, recupera intensidad y presenta un giro único llamado «El juego de Ana Frank»: una exploración que invita a la reflexión sobre quién de nosotros o no ayudaría a otros en peligro.
Como fanático acérrimo, no puedo evitar maravillarme con este brutal juego que nos parece casi extraño a los creadores no nativos. Sin embargo, logra aprovechar emociones tan primarias y universales que, independientemente de la época, la raza o el sistema de creencias, resuena profundamente en todos los que lo encuentran.
La pulga (The Yard Theatre, Hackney Wick)
Veredicto: chismes históricos candentes
The Yard en Hackney es un microteatro que ha estado superando su peso desde 2011.
The Flea marca el regreso de un fascinante chisme histórico sobre un burdel homosexual, o ‘Molly house’, en el Londres victoriano que desencadenó el escándalo real de Cleveland Street en 1889.
Se informó que algunas personas notables entre los asistentes fueron el Príncipe Alberto Víctor, quien más tarde se convertiría en el Rey Eduardo VII, ya que ostentaba el título de hijo mayor del Príncipe de Gales en ese momento.
Como devoto admirador, me sentí atraído por la cautivadora historia que el autor James Fritz ha captado con fervor, tejiendo una narrativa que recuerda al estilo de Dickens. En esta historia semi-dickensiana, me encuentro adentrándome en la vida de un joven llamado Charlie, quien, debido a las dificultades económicas de su familia, se aventura a Cleveland Street en busca de trabajo. Su principal motivación es apoyar a su afligida madre y aliviar la carga compartida de pobreza.
Pronto es investigado por el inspector Frederick Abberline, el hombre de la vida real con un punto que demostrar que no logró arrestar a Jack el Destripador. Su investigación lo lleva a la cima de la sociedad victoriana, sólo para encontrarse con un encubrimiento institucional.
Gracias al decorado de la casa de muñecas de Naomi Kuyck-Cohen, la producción del director Jay Miller se parece al estilo exagerado de las pinturas del artista expresionista alemán George Grosz.
Los muebles reinventados y renovados exhiben elementos como un archivador en forma de escalera, taburetes precarios encaramados sobre patas delgadas y paredes vibrantes adornadas con lujosas alfombras de color púrpura.
Se reinventan deliberadamente trajes de estilo vintage para alinearse con las «sensibilidades de la moda queer», como agregar mangas con volantes en los uniformes de policía, de una manera que sugiere que se están apropiando y haciendo relevantes para las audiencias contemporáneas, recuperando efectivamente y haciendo que la historia se sienta aplicable a nuestros tiempos actuales.
A pesar de algunas asperezas en la actuación, hay cierta inocencia que se suma al atractivo, como la interpretación de Tomas Azocar-Nevin de un joven Charlie que recuerda a Rowan Atkinson.
Sin embargo, el momento más cautivador ocurre durante la última parte cuando la reina Victoria (Breffni Holahan) tiene una extraordinaria conversación con Dios (Will Bliss). Él le asegura que si toma las decisiones correctas, algunos de los mejores actores del país la honrarán al interpretarla en The Crown en televisión.
El resultado es una alegre parodia histórica y una buena diversión teatral.
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2024-10-25 02:35