Como compositor experimentado, puedo apreciar de todo corazón el enfoque único de Scot Stafford para crear una narrativa musical coherente para Ultraman: Rising (2024). Su estrategia de construir una familia de temas, todos interrelacionados y que comparten un ADN similar, no sólo es innovadora sino también increíblemente efectiva al unir los diversos elementos de sonido, diálogo y efectos visuales.
Este verano se produjo el debut de «Ultraman: Rising«, la última incorporación a la extensa serie «Ultraman» que se originó con el programa de 1966 Ultra Q. Con innumerables programas, películas, cómics y adaptaciones desde entonces, esta querida IP ahora incluye un nuevo personaje, Ken Sato, quien asume el papel de Ultraman de su padre en la última producción de Netflix.
La última entrega de Ultraman: Rising ofrece una nueva versión, con una historia original que se centra en Ken criando a un bebé kaiju llamado Emi. Además, destaca su diversa banda sonora, con música del compositor Scot Stafford que abarca desde melodías de 8 bits hasta tambores Taiko a lo largo de la composición. En particular, Stafford ha contribuido a series como la miniserie Lost Ollie y el programa infantil Trash Truck en el pasado.
En esta nueva toma, ScreenRant conversó con Scot Stafford, profundizando en el meollo del proceso de grabación, los obstáculos más abrumadores encontrados al componer música para la película animada y cómo empleó inteligentemente varios tonos musicales para intensificar la familia emocional. escenas en Ultraman: Rising.
Ultraman: Rising fue «una de las cosas más difíciles» que Stafford ha «hecho jamás como compositor»
«Agregar cosas es bastante fácil, pero luego terminas con un desastre gigantesco».
Pregunta: ¿Podrías explicarnos los obstáculos creativos que encontraste al crear una banda sonora diversa para «Ultraman: Rising» y cómo lograste armonizar las intensas secuencias de acción con las escenas más tranquilas y personales de la película?
Scot Stafford: Básicamente, has resumido toda la composición en pocas palabras. De hecho, fue una prueba. Crear numerosos detalles intrincados es un placer para mí. Me atrae el concepto de Shannon [Tindle] de incorporar los sonidos de las consolas de videojuegos de 8 bits en la partitura. También aprecio su deseo de tener una orquesta y su elección de Tim Henson, así como su afición por el juguete musical electrónico japonés Pocket Miku. Comparto su entusiasmo por estos conceptos e incluso he añadido tres veces más ideas propias. Si bien agregar elementos es sencillo, puede llevar a un resultado caótico.
En mi perspectiva, lo que realmente se destacó fue la narrativa sincera escondida debajo de la impresionante animación, el estilo visual y los gráficos: el arte aquí es incomparable. En mi opinión. Detrás de todo el espectáculo se esconde una historia profundamente personal sobre la dinámica familiar, sobre padres, hijas, hijos y madres. Es crucial no pasar por alto este núcleo emocional, y poder entrelazar una gama tan diversa de influencias musicales lo convierte en una experiencia extraordinaria.
En lugar de incorporar percusión o escalas japonesas a la pieza, opté por una instrumento solista que sirva como elemento central, uniendo todo lo demás. La idea era enfatizar los temas familiares a lo largo de la partitura, siendo particularmente significativa la escena inicial: una escena en la que vemos a la madre, el padre y el hijo preparando ramen y viendo béisbol juntos. Esta es la única vez que aparecen juntos en la película, así que quería que las melodías del arpa evocaran una sensación de calidez y familiaridad. Al hacer esto, cuando finalmente se elimina la presencia del arpa, se crea un poderoso impacto emocional.
En realidad, quiero hablar de eso, porque ¿qué fue lo que te resultó más desafiante al componer música que transicione sin problemas de los sonidos de esta orquesta épica a esta interpretación en solitario más íntima en un centavo?
Scot Stafford: Por supuesto, te refieres a la escena exacta de la que hablé antes: la inicial. Mi objetivo es que recuerde a un clásico tradicional y duradero. Quería que evocara el comienzo de una película icónica y atemporal. Están participando en actividades reconfortantes y atractivas, que te hacen sentir a gusto, solo para que Gigantron aparezca abruptamente. Por primera vez, ves al Dr. Anda proyectado, aunque parece más joven, su miedo es palpable. Necesito establecer el contexto rápidamente.
La música presagia sutilmente que Gigantron posiblemente matará a su esposa e hija, seguido de un regreso inmediato a un conmovedor momento familiar en el que un padre se va a trabajar. Esta escena fue particularmente desafiante porque requirió transiciones rápidas de abrazos afectuosos al terror, culminando en un lloroso «Adiós, papá», lo que la convirtió en una de las composiciones más difíciles que he abordado como músico.
Stafford sabía que no «iba a conseguir algo auténtico» de Ultraman: Rising Alone
«Se trata de trabajar con un equipo y contratar personas que sean mejores que tú en ciertas cosas».
En la película, un aspecto clave que se destaca de Ultraman es el tema del equilibrio descubierto por Ken. Cuando se trata de tejer autenticidad cultural en la partitura musical, ¿cómo logras preservar la armonía y la profundidad emocional a lo largo de toda la película?
Scot Stafford: Esa es una pregunta excelente. En mi opinión, lo que considero el movimiento más inteligente, si es que se tomaron decisiones inteligentes, fue incorporar personas verdaderamente excepcionales que no estuvieran simplemente tocando instrumentos mecánicamente según cada nota que yo les daba. Ciertamente me aseguré de eso. Además, colaboré con Kaoru Watanabe, un extraordinario flautista y percusionista japonés conocido por su trabajo en Isle of Dogs. Le permití elegir un conjunto en un estudio en Tokio donde grabamos a los músicos, los animé a decidir qué instrumentos traer y también les hice pasar casi la mitad de la sesión de grabación improvisando, algo que rara vez ocurre.
< p>En lugar de intentar crear una pieza auténtica como un compositor estadounidense blanco que ha apreciado y estudiado profundamente la música japonesa, elijo colaborar invitando a otros a mostrar sus talentos. De esta manera, puedo incorporar sus expresiones únicas en mi trabajo, en lugar de intentar replicar yo mismo la autenticidad original. Se trata de trabajar en equipo, contratar expertos en áreas específicas y permitirles expresarse plenamente dentro del proyecto.
¿Cómo lograste crear una historia musical armoniosa con la variedad de instrumentos como los tambores Taiko, los tonos retro de 8 bits y un solo arpa?
Scot Stafford: Gran parte giró en torno a la construcción de una red de temas. Nunca antes me había encontrado con este enfoque, pero el concepto es intrigante: ¿podría desarrollar todos mis temas a partir de un tema central, asegurándome de que estén interconectados para que las melodías utilizadas en cada pieza sean consistentes? En esencia, este método restringe la gama de melodías para mantener todo cohesivo. Estos temas comparten una composición genética común; abarcan diversas emociones, escenarios y sonidos que pueden cambiar abruptamente, todos reunidos armoniosamente.
En tu composición, trabajarás con una gama limitada de melodías. Este tema principal, con una sola variación de nota, se parecerá mucho al tema familiar. Existen numerosas conexiones y superposiciones entre estos temas. Esencialmente, propongo que simplifiquemos y armonicemos todos los elementos para garantizar que la audiencia recuerde constantemente que cada personaje principal de la película se define principalmente por sus roles familiares.
En tu comentario, señalaste que el guión estaba rico en descripciones de audio. ¿Podría explicar cómo estos detalles impactaron su proceso creativo y si ofrecieron un beneficio u obstáculo distintivo durante las etapas iniciales de su trabajo?
Scot Stafford: ¡Es fantástico incorporar sonido al guión! Esto es beneficioso porque detiene momentáneamente el diálogo, algo que valoramos mucho pero que también apreciamos su ausencia. Es posible que descubras que más de la mitad de tus momentos cinematográficos favoritos sin diálogo se encuentran entre los 10 primeros de tu lista. En esas escenas emocionales impactantes, el silencio permite que todos los demás elementos como la cinematografía, el diseño de sonido o la música realmente se destaquen y brillen.
Al incorporar breves interludios, pausas sutiles y una escena sorprendente en medio de la intensa secuencia de batalla. , la narración cambia inesperadamente a una discusión ordinaria entre una madre, su madre y un niño bullicioso en el fondo. Esta disputa casual, que recuerda a estar atrapado en el tráfico durante una tormenta, proporciona una conexión emocional que nos permite realizar nuestro mejor trabajo. Cuando se nos da la oportunidad de manipular el silencio y la música, como lo hace Shannon con tanta habilidad, nuestra creatividad se desata. Sin embargo, sin un director, una historia o un guión que ofrezca la libertad y la orientación necesarias, dicha expresión artística sería limitada. Afortunadamente, Randy [Thom] y yo tuvimos la suerte de contar con Shannon como directora, quien fomenta esa flexibilidad.
Más sobre Ultraman: Rising (2024)
En medio de implacables ataques de monstruos en Tokio, el renombrado jugador de béisbol KEN SATO se ve obligado a regresar a casa, asumiendo el papel de Ultraman. Sin embargo, este colosal superhéroe se enfrenta a un desafío cuando se convierte en la figura paterna de un bebé kaiju de 35 pies de altura que escupe fuego. Sato, que lucha por hacer malabarismos con su vida profesional y sus nuevas responsabilidades como padre, mientras protege al bebé de fuerzas malévolas que pretenden explotarla con fines siniestros, debe superar su ego personal. Ultraman: Rising, una colaboración entre Netflix, Tsuburaya Productions e Industrial Light & Magic, está escrita por Shannon Tindle y Marc Haimes, dirigida por Shannon Tindle y codirigida por John Aoshima.
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2024-11-06 18:07