Como cinéfilo que he pasado innumerables horas inmerso en el mundo del cine, debo admitir que estas tres películas me han dejado un profundo impacto. Cada una ofrece una perspectiva única sobre el amor y las relaciones, lo que las distingue de otras películas románticas.
Las películas románticas de la década de 1990 ofrecen una visión fascinante de la mentalidad cultural de esa época, ya que se realizaron durante una época de cambios significativos en el cine y la asistencia al cine. A medida que la sociedad se volvió más abierta a narrativas diversas y poco convencionales, muchos temas que antes eran tabú llegaron a la pantalla grande. Esta voluntad de experimentar con estilos y temas todavía se puede ver en los enfoques narrativos únicos de estas películas, que siguen siendo relevantes en comparación con las producciones modernas. Desde entonces, muchos de los cineastas detrás de estos proyectos innovadores han hecho importantes contribuciones al cine en su conjunto.
La década de 1990 se considera frecuentemente como un período importante de la Edad de Oro de las comedias románticas. Sin embargo, algunas de las películas innovadoras de la década combinaron hábilmente varios géneros en lugar de adherirse estrictamente al formato tradicional de comedia romántica. Si bien muchas comedias románticas populares de los años 90 se recuerdan con cariño, por lo general seguían las tendencias y convenciones de su época. Aunque no hay nada intrínsecamente malo en este enfoque, carecía del espíritu innovador que estas películas demostraron al asumir riesgos, incluso si esos riesgos no aseguraban el éxito comercial. Más bien, estas decisiones audaces han asegurado su relevancia duradera hasta el día de hoy.
10 Cómo Stella recuperó su ritmo (1998)
Dirigida por Kevin Rodney Sullivan
En los anales del cine, las relaciones con diferencias de edad a menudo se han retratado con un hombre mayor persiguiendo a una mujer más joven. Sin embargo, la película «Cómo Stella recuperó el ritmo» ofrece un giro refrescante al presentar a Stella (Angela Bassett) encontrando el amor y abrazando nuevas aventuras al conocer al joven Winston (Taye Diggs). A pesar de compartir algunos temas comunes con las comedias románticas tradicionales, «Cómo Stella recuperó el ritmo» merece atención por su impacto único en el género.
Las películas románticas siempre han sido un lugar seguro e importante para explorar en pantalla el deseo y la sexualidad femenina, como la mayoría de los demás géneros históricamente han atendido a la mirada masculina. Cómo Stella recuperó el ritmo y películas contemporáneas como The Idea of You se centran en el placer de una mujer mayor y la ven redescubrir y reclamar su sexualidad a través de los personajes que toman sus vidas en sus propias manos. El hecho de que How Stella Got Her Groove Back ya estuviera abordando este tema a finales de los 90 es increíble.
| Título | Puntuación crítica de Rotten Tomatoes | Puntuación de audiencia de Rotten Tomatoes |
| Cómo Stella recuperó su ritmo (1998) | 50% | 66% |
9 La boda de Muriel (1994)
Dirigida por P.J. Hogan
Con la incomparable Toni Collette, «La boda de Muriel» es una querida comedia dramática romántica australiana de 1994. Esta película gira en torno a Muriel (Collette), una joven que anhela afecto y validación. Si bien «La boda de Muriel» ofrece muchas risas y personalidades excéntricas, también profundiza en escenas dramáticas que desafían a Muriel a enfrentar las consecuencias de sus acciones, mientras lucha por lograr la ilusión de una boda y un matrimonio impecables. En esencia, el vínculo conmovedor entre Muriel y su amiga Rhonda (Rachel Griffiths) es la verdadera historia de amor de la película.
Como cinéfilo que reflexiona sobre la carrera del director P.J. Hogan, debo reconocer su éxito posterior con «La boda de mi mejor amigo», una querida comedia romántica de los años 90. Sin embargo, es difícil no pasar por alto la brillantez que mostró anteriormente en su trabajo, particularmente con la innovadora película «La boda de Muriel«. Consciente de las trampas del género y de la representación a menudo desafortunada de sus heroínas, Hogan elaboró una historia única en la que Muriel es a la vez entrañablemente torpe y deliciosamente encantadora. La película nos invita a apoyarla de todo corazón. Aunque las actuaciones estelares son innegablemente cautivadoras, es la fusión magistral de géneros y una narrativa conmovedora lo que realmente consolida «La boda de Muriel» como un clásico atemporal.
| Título | Puntuación crítica de Rotten Tomatoes | Puntuación de audiencia de Rotten Tomatoes |
| La boda de Muriel (1994) | 81% | 84% |
8 La increíblemente verdadera aventura de dos chicas enamoradas (1995)
Dirigida por María Maggenti
De manera destacable, la película titulada «La increíblemente verdadera aventura de dos chicas enamoradas» destaca no sólo por su retrato de una relación LGBTQ+ entre dos mujeres jóvenes, sino también porque es un trabajo cinematográfico soberbio. . Los personajes Randy (Laurel Holloman) y Evie (Nicole Ari Parker) comparten distintos desafíos e historias. Sin embargo, encuentran consuelo el uno en el otro, unidos por su sensación de aislamiento de su pequeña ciudad y sus emociones florecientes. Esta película trata tanto de crecer como de romance, y no ofrece una conclusión sencilla o completamente alegre.
A los otros personajes les resulta difícil aceptar y comprender la relación de Randy y Evie. Sin embargo, la película sugiere que la pareja está decidida a mantener su vínculo y permanecer unida. Esto es diferente a la mayoría de las películas LGBTQ+ durante este período, que típicamente mostraban relaciones queer que terminaban en dolor y las retrataban como destinadas al dolor. Afortunadamente, Randy y Evie tienen la oportunidad de explorar plenamente su amor, y la película maneja sus sentimientos cada vez más profundos con compasión.
| Título | Puntuación crítica de Rotten Tomatoes | Puntuación de audiencia de Rotten Tomatoes |
| La increíblemente verdadera aventura de dos chicas enamoradas (1995) | 80% | 69% |
7 La mujer sandía (1996)
Dirigida por Cheryl Dunye
En términos simples, la innovadora película de Cheryl Dunye, titulada «La mujer sandía«, no solo fue escrita y dirigida por la propia Dunye, sino que también fue protagonizada por ella misma, encarnando así la esencia del cine independiente como autor. Esta película es notable porque fue el primer trabajo como directora de un largometraje de una mujer lesbiana abiertamente negra, Dunye. Es ampliamente reconocido como una de las contribuciones clave al movimiento del Nuevo Cine Queer que floreció en la década de 1990. Este movimiento tenía como objetivo brindar una plataforma a las perspectivas LGBTQ+ dentro del cine, y Dunye fue aún más lejos al explorar las complejidades de la sexualidad, la raza y el género en el cine.
Sin embargo, la estructura y el enfoque únicos de «The Watermelon Woman» impactaron significativamente su combinación de segmentos de estilo documental y la creación del personaje principal, Watermelon Woman. Este personaje es una fusión de numerosos actores negros que a menudo eran pasados por alto en los primeros días del cine, y su historia tiene importancia para Cheryl, ya que profundiza en la historia de la Mujer Sandía para dar forma a su propia perspectiva de las películas. . A medida que Cheryl descubre más sobre la Mujer Sandía, que en realidad era una mujer llamada Fae, también descubre que Fae era lesbiana. Esta revelación anima a Cheryl a examinar más de cerca el desarrollo de su propia relación.
| Título | Puntuación crítica de Rotten Tomatoes | Puntuación de audiencia de Rotten Tomatoes |
| La mujer sandía (1996) | 92% | 56% |
6Mississippi Masala (1991)
Dirigida por Mira Nair
Una película cautivadora protagonizada por Denzel Washington, Mississippi Masala, profundiza en aspectos de raza, clase y deberes familiares a través de la conmovedora historia de amor entre Demetrius (Washington) y Mina (Sarita Choudhury). Ser testigo de romances interraciales en la pantalla es un elemento importante del poder de las películas románticas. Mississippi Masala retrata las disparidades y expectativas culturales de manera auténtica, con sensibilidad y comprensión, capturando los desafíos y emociones que surgen de la inmigración y los prejuicios raciales en Estados Unidos. A pesar de sus diversos orígenes, Mina y Demetrius se niegan a permitir que sus mundos los divida.
Como crítico de cine, me sentí completamente cautivado por la electrizante dinámica entre Washington y Choudhury en la pantalla, un testimonio de la subestimada destreza de Washington como protagonista romántico. Sin embargo, su historia de amor estuvo lejos de ser la única narrativa convincente de esta película. Las luchas de los padres de Mina, lidiando con la vida en Estados Unidos mientras añoran su tierra natal, Uganda, agregaron profundidad y matices a la trama. Además, siempre es un placer presenciar una película nacida de las mentes creativas de cineastas; en este caso, el perspicaz guión de Sooni Taraporevala y la hábil dirección de Mira Nair.
| Título | Puntuación crítica de Rotten Tomatoes | Puntuación de audiencia de Rotten Tomatoes |
| Misisipi Masala (1991) | 92% | 64% |
5 Metropolitano (1990)
Dirigida por Whit Stillman
Whit Stillman es reconocido principalmente por su trilogía informal que representa a la juventud de clase alta de la década de 1980, con «Metropolitan» estrenada en 1990 como punto de partida. A esto le siguieron «Barcelona» y «Los últimos días de la discoteca», cada película profundizando en varios aspectos de los años 80 pero ofreciendo una mirada retrospectiva a esta época desde que se hicieron en los años 90. Hoy en día, son bastante comunes las películas que ofrecen críticas satíricas y mordaces sobre la riqueza y los privilegios. Sin embargo, «Metropolitan» se destaca por expresar desdén por sus personajes y al mismo tiempo mostrar empatía hacia ellos.
El público puede echar un vistazo a la vida glamorosa de los estudiantes universitarios adinerados en la ciudad de Nueva York, vista a través de los ojos del ciudadano medio Tom (Edward Clements). Se siente repelido y atraído hacia este mundo, y los espectadores pueden fácilmente empatizar con sus sentimientos encontrados debido a la naturaleza cautivadora y acogedora de los personajes. Sin embargo, no tienen reparos en causar dolor o manipular a los demás para su beneficio. Esta dualidad es lo que distingue a Metropolitan del resto. Es un comentario sobre la clase social que sigue siendo relevante hoy en día y al mismo tiempo firmemente arraigado en su época.
| Título | Puntuación crítica de Rotten Tomatoes | Puntuación de audiencia de Rotten Tomatoes |
| Metropolitano (1990) | 93% | 84% |
4 Antes del amanecer (1995)
Dirigida por Richard Linklater
El trabajo más notable de Richard Linklater como cineasta podría ser Before Trilogy, una serie de películas románticas profundas que profundizan en la relación de toda la vida entre Jesse (Ethan Hawke) y Céline (Julie Delpy). Los personajes y sus diálogos en las películas posteriores fueron moldeados significativamente por Hawke y Delpy, pero en la primera película, Before Sunrise, todavía estaban descubriendo y definiendo el vínculo entre Jesse y Céline. El diálogo fluido entre Jesse y Céline que forma la narrativa es único en comparación con muchas películas de esa época basadas en una trama.
A pesar de ser frecuentemente imitado, el enfoque impulsado por los personajes y la profunda exploración de los aspectos filosóficos del amor y la existencia moderna en «Before Sunrise» es único. El vínculo entre Jesse y Céline, aunque se desarrolló a lo largo de un solo día y una noche, se siente poderoso y conmovedor, y su despedida es emotiva. Además, las películas posteriores se rodaron con nueve años de diferencia y muestran diferentes etapas de la vida, lo que subraya la importancia del tiempo en la realización cinematográfica.
| Título | Puntuación crítica de Rotten Tomatoes | Puntuación de audiencia de Rotten Tomatoes |
| Antes del amanecer (1995) | 100% | 93% |
3 Pero soy una animadora (1999)
Dirigida por Jamie Babbit
Divertidísimo, cursi, pero con una profunda resonancia emocional, Pero soy una animadora se ha convertido en uno de los clásicos de culto más perdurables de finales de los años 90. La película es una crítica satírica de los roles de género y la homofobia que se basa en las dulces y sensibles actuaciones de Natasha Lyonne y Clea DuVall como Megan y Graham, las jóvenes que encuentran el amor en un campo de conversión. Refiriéndose al viaje de Megan hacia la autoaceptación y su comprensión de que su identidad sexual es algo que debe celebrarse, Pero soy una animadora fue celebrado por el público LGBTQ+ y de autor.
A pesar de recibir una respuesta variada tras su estreno, «But I’m A Cheerleader» se ha hecho un hueco importante en el ámbito de las películas románticas y ha hecho una valiosa contribución a la historia del cine LGBTQ+. No solo brilla por sus temas narrativos y con visión de futuro, sino también por sus elementos visuales distintivos, como escenarios vibrantes, vestuario y un mundo que son partes integrales del encanto de la película. Al emplear tonos vívidos y una estética casi de cuento de hadas, «But I’m A Cheerleader» se distingue del realismo descarnado de sus contemporáneos por su estilo extravagante.
| Título | Puntuación crítica de Rotten Tomatoes | Puntuación de audiencia de Rotten Tomatoes |
| Pero soy una animadora (1999) | 43% | 75% |
2 Expreso de Chungking (1994)
Dirigida por Wong Kar-wai
Elegir sólo una película de Wong Kar-wai para destacar es todo un desafío, dada su colección de dramas románticos cautivadores e innovadores producidos a lo largo de la década de 1990. Aunque tanto «Happy Together» como «Fallen Angels» muestran los elementos atmosféricos y visuales distintivos que definen el trabajo de Wong, es «Chungking Express» el que realmente se destaca. Esta película, compuesta por dos cuentos entrelazados, sirve como una exploración sincera de las relaciones entre las personas. Además, «Chungking Express» demuestra un profundo afecto por la forma de arte en sí y con frecuencia se lo considera una visita obligada para los entusiastas del cine.
Es incorrecto ver la película como una experiencia adecuada únicamente para cinéfilos frecuentes. Aunque presenta imágenes surrealistas y una narrativa pausada que genera resonancia emocional, conmueve a cualquier espectador que la vea. En particular, Tony Leung Chiu-wai, un colaborador recurrente de Wong, ofrece una actuación sobresaliente como uno de los oficiales de policía en esta película. Faye Wong y Leung comparten tiempo en pantalla como personajes en su segmento de la historia, mientras que Takeshi Kaneshiro y Brigitte Lin desempeñan papeles clave en la parte inicial de la película.
| Título | Puntuación crítica de Rotten Tomatoes | Puntuación de audiencia de Rotten Tomatoes |
| Expreso Chungking (1994) | 88% | 93% |
1Rushmore (1998)
Dirigida por Wes Anderson
En una de las obras maestras iniciales de Wes Anderson, la película «Rushmore» sigue destacándose como una de sus obras más impactantes y emocionalmente resonantes. Esta película no sólo ahonda en el afecto romántico sino también en el camino hacia el amor propio y el fomento del sentido de pertenencia. Max (interpretado por Jason Schwartzman) está enamorado de Rosemary (Olivia Williams), pero su vínculo más significativo es su amistad con Herman (Bill Murray), quien también desarrolla sentimientos por Rosemary. «Rushmore» marca la exploración continua de Anderson en lo idiosincrásico y un examen más profundo del amor.
A menudo me he encontrado reflexionando sobre el impacto duradero y la influencia de la película de Wes Anderson, Rushmore, en particular su estilo visual y su voz narrativa únicos. A diferencia de muchas películas románticas, ésta profundizó en la adolescencia y el amor juvenil, diferenciándola de otras del género.
| Título | Puntuación crítica de Rotten Tomatoes | Puntuación de audiencia de Rotten Tomatoes |
| Rushmore (1998) | 90% | 91% |
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2024-10-29 17:48