Como entusiasta del cine y alguien que aprecia el intrincado proceso de darle vida a una historia, debo decir que las citas de Brian Netto y Adam Schindler sobre su trabajo en «Don’t Move» realmente resuenan en mí. Su énfasis en la colaboración, la priorización y la exploración parece un testimonio de su dedicación y pasión por su oficio.
El escalofriante thriller «Don’t Move», producido por Sam Raimi, ha ascendido rápidamente a la posición número uno en el ranking mundial de streaming de Netflix desde su estreno el 25 de octubre. Esto no es sorprendente considerando su concepto intrigante y la actuación excepcional del elenco principal. Dirigida por Adam Schindler y Brian Netto, quienes anteriormente trabajaron en un episodio de la antología «50 States of Fright» de Raimi, la película está escrita por T.J. Cimfel y David White, el mismo dúo detrás de su anterior thriller «Intruders».
La película «Don’t Move» se centra en una mujer llamada Iris, interpretada por Kelsey Asbille del programa «Yellowstone». Después del trágico fallecimiento de su hijo, Iris se encuentra en una situación precaria cuando se cruza con un asesino despiadado. Este antagonista, Richard, interpretado por Finn Wittrock de «American Horror Story», administra una sustancia paralizante a Iris, esperando que muera en 20 minutos. Sin embargo, Iris le demuestra que está equivocado y se defiende tenazmente a pesar de que su cuerpo está paralizado. A medida que se desarrolla la historia, su juego del gato y el ratón se vuelve más complejo mientras Iris lucha contra su propio cuerpo en un intento de escapar.
En una conversación reciente, ScreenRant habló con los directores Netto y Schindler sobre la meticulosa planificación detrás del desarrollo del personaje en «Don’t Move», incluida su afortunada elección de Kelsey Asbille y Finn Wittrock para los papeles principales, así como la importancia de armonizar combinando todos los elementos, incluso la música de la película.
Una de las mayores limitaciones de Don’t Move fue también su mayor fortaleza en la etapa del guión.
«Todo es un desafío y simplemente estábamos aguantando los golpes a medida que llegaban».
Con tus propias palabras, te preguntas sobre las dificultades y beneficios que encontraron al optar por un formato en tiempo real en su película.
Adam Schindler: La coherencia fue un obstáculo importante. Si bien esto no es un secreto, la película se desarrolla durante las horas del día. Al principio estábamos contentos porque eso significaba que no habría tomas nocturnas. Sin embargo, lidiar con la luz solar que se filtra a través de los árboles y otros elementos resultó complejo. La mayor parte de la película se desarrolla al aire libre, lo que añade la complicación del cambio de luz solar debido a una posible lluvia. Por lo tanto, mantener la continuidad era el aspecto más exigente al filmar una película en tiempo real como ésta.
Brian Netto también prefiere narrativas que sigan a los personajes a través de un proceso de desarrollo o progresión claro de principio a fin. Otro obstáculo a la hora de crear algo es idear un camino creíble para que el personaje crezca y evolucione. Sin embargo, cada esfuerzo conlleva sus desafíos y simplemente nos adaptamos a medida que surgían los obstáculos.
Intrigado por esta escalofriante historia, debo decir que parece bastante plausible para la realidad actual. ¿Podrías compartir algunas ideas sobre tu asociación creativa con T.J. ¿Cimfel y David White al construir la narrativa y los personajes de este proyecto?
Como cinéfilo, estoy encantado de compartir que T.J. y David fueron una parte integral de nuestro último proyecto, «Intrusos». Era un guión específico, inicialmente conocido como «Shut In», que descubrimos y posteriormente le dimos vida. Para esta nueva empresa, les presentamos la idea y los desafiamos a garantizar que se desarrolle en tiempo real tanto como sea posible. ¡Les deseamos suerte y estamos ansiosos por ver la magia que tejen!
«En lugar de escuchar nuestras voces internas, centrémonos en silenciar ese diálogo interno, paso a paso. Imagínese esto como una realidad. proceso de tiempo en el que se encuentra en una situación desafiante, acorralado sin una ruta de escape aparente. En ese punto, trabajaremos juntos para idear estrategias que lo ayudarán a salir de la situación.
Discutir los obstáculos asociados con. historias que se desarrollan en tiempo real durante un solo día: ¿Fue esto? Entonces, incorporamos elementos que queríamos enfatizar, así como aspectos a evitar. Sin embargo, lo más crucial fue determinar el camino que tomaría nuestro protagonista una vez establecido. , creamos un antagonista que se haría eco de su viaje y serviría como un obstáculo persistente en su camino para llegar al final de su historia.
En un abrir y cerrar de ojos, una vez que solidificamos nuestras ideas, el ritmo El progreso de las cosas fue sorprendente. Los muchachos, con su notable habilidad para crear personajes dentro de un marco de género verdaderamente distintivo, aprovecharon la oportunidad y la aprovecharon. Gran parte de lo que ves en la pantalla es un testimonio de lo que se desarrolló después del borrador 2. El borrador 2, en esencia, forma una parte importante de lo que se presenta en la película, lo cual es nada menos que asombroso.
¿Hubo algún momento en el que pensaste: «Esto es todo un desafío. ¿Cómo podríamos encontrar una solución a esta situación?»
Adam Schindler: En algunos casos, nos encontramos en situaciones en las que sentimos que nos habíamos comprometido demasiado, dejándonos sin otra opción que dar un paso atrás y pensar: esto tiene que ser creíble. No queríamos que nuestros personajes tomaran decisiones o realizaran acciones que sacaran a la audiencia de la historia y les hicieran decir: «Esto no parece real». Para evitar esto, decidimos limitar sus opciones de comunicación y elementos similares, enfocándonos en encontrar formas plausibles para que estas situaciones se desarrollen y luego encontrar una manera de resolverlas. TJ y Dave se destacan en la creación de este tipo de secuencias, por lo que compartimos nuestras ideas con ellos, los dejamos volar con su creatividad y obtuvieron resultados sobresalientes.
Don’t Move es un tour de force actoral para Kelsey Asbille y Finn Wittrock
«Tuvo que poner su actuación en nuestras manos y nos dio cosas increíbles con las que trabajar».
En un tono más simple y conversacional:
Brian Netto mencionó que tenía una amiga casada con un anestesiólogo, y entre las acciones iniciales que tomaron estuvo concertar una llamada durante la cual la explicaron un escenario. Ella dijo: «Está bien, no reveles de qué se trata, pero así es como se desarrollará». Después de eso, Kelsey se unió a la discusión para discutir los aspectos prácticos, como la movilidad, la progresión del deterioro y las sensaciones de los músculos en ese momento específico.
Tuvimos esa conversación antes de irnos y luego viajamos. Al otro lado del mundo y aterrizamos, donde tuvimos conversaciones con ella sobre en qué punto del guión es capaz de hacer qué. Simplemente lo desglosamos de esa manera, como, “Muy bien, en este momento, puedes hacer esto. En ese momento, eres capaz de hacerlo”.
Por encima de todo, un aspecto importante fue la fe que tuvo que otorgarnos a Adam y a mí, asegurándose de no excederse ni rendir mal. Siempre hay un equilibrio delicado: «¿Estoy haciendo lo suficiente?» Con frecuencia le asegurábamos que sus señales no verbales eran maravillosas, especialmente sus ojos expresivos, que usaba eficazmente cuando estaba más expuesto. Básicamente, se trataba de confianza; ella nos confió su actuación y recibimos un excelente material para moldear.
Como cinéfilo dedicado, estuve trazando meticulosamente cada movimiento de nuestra actriz principal, asegurándome de que ambos estuviéramos listos y conscientes de las acciones de su cuerpo. en instancias específicas. De esta manera, cuando estemos filmando en el corazón del bosque o en cualquier otro lugar desafiante, no habría dudas sobre sus capacidades durante una secuencia. Todos estos detalles fueron planificados estratégicamente de antemano, lo que le permitió sumergirse por completo en el personaje y no preocuparse por la logística. Ella realmente se destacó en su desempeño.
Pregunta: ¿Qué hizo que Finn se destacara en su papel, más allá de lo escrito en el guión?
Brian Netto: Sí, es un papel desafiante ya que buscábamos un actor que pudiera ser a la vez carismático y amenazador. Tenían que transmitir el peligro que necesitábamos cuando fuera necesario, pero también ser alguien con quien el público pudiera empatizar y relacionarse. A pesar de nuestro breve encuentro con estos personajes en la película de 90 minutos, comprender sus logros pasados y las habilidades que han perfeccionado es crucial. Este actor se ha quitado constantemente sus máscaras, adaptándolas perfectamente a cualquier situación en cualquier momento, permitiéndole asegurar todo lo que necesitaba en ese punto específico. Siempre usa máscaras diferentes, lo que hace que parezca que puede cambiar de identidad sin esfuerzo para cada nuevo escenario.
Adam Schindler: Asegurarnos de que el público no lo encontrara inquietante demasiado pronto fue crucial para nosotros. Queríamos que apareciera como un personaje auténtico, no como alguien cuya verdadera identidad se revelaría al final o que pudiera clasificarse fácilmente. Al final de la película, es posible que ni siquiera sepas cuál es su personaje genuino. Durante el rodaje, tuvimos muchas conversaciones con Finn sobre las máscaras que se pone y, en el set, fue como una sesión de terapia peculiar entre ambos.
En algunos casos, él desempeña el papel de un psiquiatra, mientras que ella hace lo mismo. Parecen estar bromeando y ella logra exponer su lado humano, aunque sea brevemente, antes de que él recupere el control. Encontrar un actor que pudiera lograr este delicado equilibrio fue crucial. Finn se destaca por ser carismático y siniestro cuando se le ordena dentro de la misma escena; Es fascinante observar su transición tan rápidamente. La interacción fue cautivadora.
En la película, ¿cómo se combinan eficazmente las escenas intensas y llenas de suspenso con los aspectos más privados y emocionales? – Kelsey caracterizó la película como apasionante e introspectiva.
Brian Netto: ¿No comienza todo con el guión? Dado que estuvimos profundamente involucrados en su creación, nos aseguramos de que su viaje fuera claro para usted a medida que se desarrollaba. Obviamente está luchando por sobrevivir a esta terrible experiencia, pero hay un panorama más amplio en juego que la lleva a donde la encontramos al comienzo de la película. A medida que avanza la historia, debemos seguir su viaje escuchando sus interacciones con Richard, Andrew o quienquiera que sea.
Siempre que fue posible, intentamos reflejar algo de esa emoción, ya sea culpa o determinación ardiente – que surgió durante sus interacciones. Nuestras conversaciones con Kelsey giraron en torno a comprender la etapa en la que se encuentra en su viaje y anticipar cuándo podría sentirse lista para reanudar su lucha nuevamente. Estas conversaciones tuvieron lugar desde el principio, mientras intentábamos evaluar cuándo Kelsey estaría lista para pelear una vez más.
Adam Schindler declaró que crearon esta narrativa en colaboración con T.J. y David durante las últimas etapas de la pandemia, una época en la que muchos trabajaban desde casa usando Zoom. Esta experiencia compartida creó una sensación de confinamiento, ya sea físico o mental, y una ansiosa anticipación de liberarse y regresar a la vida normal. Esta atmósfera prevaleció mientras trabajaban en el guión y parece haber influido sutilmente en sus temas y personajes, reflejando efectivamente los pensamientos y sentimientos de la época.
Brian Netto: Claramente, su trauma es único, sin embargo, parece relacionable con experiencias con las que la mayoría de la gente puede identificarse: momentos en los que nos encontramos luchando y necesitamos recuperar el equilibrio. Este sentimiento universal trasciende culturas, idiomas y sistemas de creencias. Creíamos que este entendimiento compartido resonaría en una amplia audiencia. Si esta conexión emocional complementa la emoción de verla superar desafíos, entonces podríamos crear algo impactante más allá del mero entretenimiento.
Hola Ebaster, recuerdo haber mencionado en un artículo que Kelsey y Finn fueron extremadamente generosos durante el rodaje. Para profundizar, hubo un caso particular en el que su trabajo en equipo realmente marcó la diferencia en una escena específica. Específicamente, recuerdo un momento en el que ambos colaboraron para improvisar algunas líneas, lo que no sólo añadió humor sino que también profundizó la resonancia emocional de la escena. Esta colaboración espontánea no sólo resultó en una actuación más atractiva sino que también estableció un tono positivo y productivo en el set.
Adam Schindler: Sí, hay una escena ambientada en una camioneta estacionada al costado de la carretera. Esta escena es bastante intensa e incluye largos monólogos, por lo que la cámara enfoca de cerca a un personaje. Normalmente, se podría pensar que el otro actor se alejaría por falta de espacio, pero ambos optaron por permanecer cerca de la cámara, asegurándose de estar disponibles para brindar lo que la otra persona requería.
En cierto sentido Con reminiscencias de la historia sobre Tom Hanks en The Green Mile, donde parecía estar fuera de cámara, no era lo que esperarías que hiciera, como regresar a su tráiler. En cambio, permaneció sentado, a la vista pero justo fuera de la cámara, volcando todo su talento en cada momento. Básicamente, realizó una actuación digna de un Oscar sin que la cámara la capturara. Esta situación fue sorprendentemente similar.
Brian Netto: A menudo, la gente simplemente te proporcionará líneas, pero es otra cuestión completamente distinta ofrecer el mismo nivel de interpretación necesario para evocar las emociones necesarias. Sin embargo, fueron excepcionales en este sentido. Trabajaron bien juntos, lo que sin duda ayudó a la producción y a nosotros también. Sin duda, sacaron lo mejor de cada uno y se complementaron maravillosamente.
Don’t Move es una clase magistral sobre cómo generar tensión, con Adam Schindler y Brian Netto como maestros
“¿Cómo podemos realmente sentarnos en este momento, hacerlo incómodo y dejar que la cámara permanezca?”
Ebaster: Me sentí como si estuviera al borde de mi asiento durante toda la hora y media de esta película. ¿Puedes hablarnos de las técnicas que utilizaste para aumentar la tensión?
Adam Schindler: Un aspecto importante es no tener miedo de mantener las tomas durante más tiempo del que el público podría estar acostumbrado actualmente. Entiendes mi punto, ¿verdad? Películas como ésta, que presentan emociones en tiempo real, a menudo involucran cámaras que se mueven rápidamente en varias direcciones. Simplemente hay mucha edición rápida y otros efectos. En cambio, nos concentramos en quedarnos quietos y contemplar: «¿Cómo podemos realmente capturar e intensificar este momento, hacerlo incómodo y mantener la cámara fija?» Nuestro objetivo era permitir que los espectadores sintieran el marco y compartieran su experiencia en ese momento. Creo que eso fue crucial.
Brian Netto: Nuestro objetivo era hacer que los espectadores se sintieran como si estuvieran caminando una milla en los zapatos de Kelsey y brindarles un relato de primera mano de sus experiencias sin estar literalmente dentro de su mente. o ver el mundo desde su perspectiva. Para lograr esto, dedicamos mucho tiempo a mantenerla dentro del marco. Al observarla de cerca, los espectadores pueden sentir empatía con sus emociones. Además, nuestro equipo de diseño de sonido creó una experiencia de audio que simula la sensación del narcótico moviéndose a través de su cuerpo.
Se encuentra inmersa en un entorno increíblemente pintoresco, pero hay un elemento adicional que está alterando sutilmente su ambiente. Este nuevo factor está siendo orquestado por nuestro excepcional equipo compuesto por Mark Korven y Michelle Osis. Si estás familiarizado con el trabajo de Mark en The Witch o The First Omen, conoces su talento excepcional. Juntos, diseñaron un paisaje sonoro y una partitura que se fusionaban perfectamente, haciendo difícil distinguir uno del otro. El resultado es una inquietante sinfonía de sonidos que refleja su aprensión y tensión, como si estuvieras experimentando sus emociones de primera mano.
Además, es esencial establecer el carácter de la protagonista desde el principio, ya que esto sienta las bases para la audiencia. compromiso. Si las luchas de tu protagonista no resuenan contigo, si no parecen asustados o vulnerables, entonces la narrativa puede no captar tu interés. En otras palabras, es necesario empatizar con ellos y sentir sus victorias y derrotas. Dado que ella experimenta muchos contratiempos, es crucial que usted comparta su viaje durante esos tiempos difíciles.
Adam Schindler: De hecho, tuvimos numerosas conversaciones con nuestros directores, centrándonos en dar forma a esta película desde su punto de vista. aunque no siempre estrictamente en primera persona. El énfasis estaba en garantizar que ella estuviera consistentemente dentro del encuadre o que la escena se originara desde su perspectiva. Esencialmente, esta es su historia, su viaje, y tener este plan en marcha nos permitió seguir comprometidos a mantener este enfoque incluso bajo presión durante la filmación.
Durante el punto medio del proceso de producción, hay momentos en los que te encuentras pensando: «Necesitamos aprovechar el día de hoy» y empiezas a cuestionarlo todo. Sin embargo, logramos mantener el rumbo con nuestro plan inicial. «Esto es lo que tenemos, este es nuestro punto de vista y así es como vamos a proceder». Agradecí que nuestro Director de Fotografía nos mantuviera enfocados en nuestro plan original. Fue bastante inspirador.
¿Cómo han influido en su proceso de aprendizaje los directores en funciones con los que ha trabajado, en particular aquellos en roles físicos y emocionales desafiantes, y cómo podría aplicar estos conocimientos a sus próximos proyectos?
En mi opinión, el secreto está en el proceso de casting. Cuando se trata de la interpretación de personajes, todo comienza ahí. Encuentre actores que resuenen con su historia, que compartan su visión desde el principio y luego capacítelos para profundizar y encarnar a sus personajes. Ellos son los artistas, son el talento que da vida a la historia en la pantalla.
Básicamente, nosotros la concebimos, TJ y David la escribieron, pero ellos dan vida a los personajes. Les confiamos los personajes, confiando en su comprensión de lo que estos personajes desean y requieren para cada escena. Como directores, nuestro papel es principalmente garantizar que se alinee con la narrativa más amplia de la película, pero también permitirles la libertad de encarnar verdaderamente a los personajes y confiar en sus instintos.
Brian Netto: Entonces deberíamos centrarnos en organizar nuestros esfuerzos. Este es el mayor tiempo de ensayo que hemos tenido para una película, y aunque no fue una cantidad de tiempo significativa en comparación con lo que normalmente tenemos, sí fue más que antes. Entonces, se tomaron muchas decisiones durante las discusiones sobre si debería estar de rodillas o de pie, y tal vez tendría más sentido si abordara la escena de manera diferente. Estas discusiones son realmente esclarecedoras.
Una cosa es tener el plano, que es el guión, y otra cosa es crear una lista de tomas que se vea genial. Pero lo más importante es asegurarse de que se comporten como lo harían como personas reales, pero también como sus personajes. En realidad es sólo una colaboración y hay que dedicarle tiempo. Creo que lo que haremos en el futuro siempre será asegurarnos de entregarles el papel y dejarles ser el personaje. La otra cosa es darnos tiempo para explorar y tener esas conversaciones antes de entrar y comenzar a filmar, para que podamos encontrar el mejor camino a seguir.
Adam Schindler: Resolvemos cualquier problema. problemas con anticipación, asegurando un proceso fluido y sin confusión alguna. Todos trabajan juntos, remando al unísono hacia el mismo objetivo.
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