Como cinéfilo con más de cuatro décadas de ver películas en mi haber, debo decir que la era anterior al Código de Hollywood fue una época de audacia e innovación incomparables. Las películas producidas durante este período realmente traspasaron los límites de lo que se consideraba aceptable, y ninguna más que estos tres clásicos: Baby Face, Scarface y Freaks.
El período anterior a 1934 en la producción cinematográfica de Hollywood vio un aumento en el contenido explícito, incluyendo más violencia, temas para adultos, referencias a drogas y personajes moralmente complejos. Aunque el Código de Producción se estableció en 1930, no fue hasta mediados de 1934 que comenzó a aplicarse de manera más estricta.
Contrariamente a la creencia común de que las películas de la época dorada de Hollywood eran insulsas, esta noción está lejos de ser exacta cuando se trata de películas anteriores al Código. De hecho, estas primeras películas a menudo contienen contenido que, incluso para los estándares actuales, se considera atrevido y tabú. Muchos clásicos anteriores al Código siguen destacándose como algunas de las películas más debatidas y estimulantes de la historia del cine.
15 La divorciada se venga del adulterio de su marido
Lo que hoy no sorprende, entonces era escandaloso
En 1939, me encontré inmerso en una cautivadora adaptación titulada «La divorciada», que en realidad estaba basada en la novela de 1929 «La ex esposa» de Ursula Parrott. Se eligió el intrigante título «La divorciada» en lugar de «La ex esposa» debido a las sensibilidades sociales de la época. Curiosamente, la actriz principal, Norma Shearer, que estaba casada con el jefe de MGM, Irving G. Thalberg, no fue inicialmente su primera opción para el papel. Thalberg tenía la vista puesta en Joan Crawford para el papel, pero después de ver algunas fotografías convincentes que Shearer había encargado específicamente para mostrar su atractivo, aceptó dejarla asumir el papel. ¡Es extraño cómo incluso un marido puede necesitar ser convencido del talento y el encanto de su esposa!
En pocas palabras, la película titulada «La divorciada» retrata la historia de Ted (Chester Morris), un periodista, y su esposa Jerry, que han estado casados durante tres años. En este período, Ted se involucra en una aventura, lo que hace que Jerry tome represalias acostándose con Don (Robert Montgomery), su amigo común de la boda. Enfurecido, Ted solicita el divorcio y se hunde en el alcoholismo. Mientras tanto, Jerry sigue adelante y se embarca en una aventura con Paul, quien una vez estuvo enamorado de ella pero que actualmente está atrapado en un matrimonio sin alegría. Esta película, aunque no causaría mucha sorpresa hoy en día, fue notablemente progresista para los años 30 debido a sus temas modernos, que en aquella época se consideraban impactantes.
14 asesinatos en el zoológico son un misterio de asesinato de la década de 1930
Esta historia morbosa podría ser materia de remake
El escenario de «Asesinatos en el zoológico» no es el de cualquier marido celoso, sino uno que lleva su posesividad a un nivel escalofriante, ya que cada asesinato en este misterio tiene un toque animal. Cuando comienza la película, encontramos a Eric Gorman (Lionel Atwill), un hombre consumido por los celos, cosiendo los labios de un hombre que se atrevió a besar a su impredecible y coqueta esposa, Jerry Evans (Gail Patrick). Gorman lo abandona en la jungla y organiza un encuentro espantoso con un tigre. Esta escena inicial establece efectivamente el tono de la película, brindando a los espectadores una idea de su naturaleza oscura.
En su viaje para transportar animales capturados a casa, la esposa de Gorman se embarca en una aventura en el barco, ocultándosela a su marido. Al descubrir esto, las tensiones aumentan cuando llegan al zoológico. Se desarrolla una serie de asesinatos relacionados con animales del zoológico. El amante de Jerry es fatalmente golpeado por una cabeza de serpiente llena de veneno de mamba en un evento de recaudación de fondos. En represalia, Gorman obliga a Jerry a entrar en un foso de caimanes, lo que provoca su espantosa desaparición. Finalmente, Gorman encuentra su fin atrapado dentro de la jaula de una boa constrictor, que finalmente lo consume y lo mata. Para los cineastas preocupados por su presupuesto que buscan inspiración para una nueva versión de terror, «Murders in the Zoo» ofrece una opción convincente.
13 Tres en un partido cuenta las historias de tres amigos
Una superstición conduce a la caída de Vivian
En la película «Tres en un partido», tres viejas amigas, Mary Keaton (Joan Blondell), Ruth Westcott (Bette Davis) y Vivian Kirkwood (Ann Dvorak), se reúnen como adultas para ponerse al día con sus vidas. Comparten un cigarrillo y cada uno enciende la misma cerilla, siguiendo la vieja creencia de que la última persona en encender su cigarrillo será la primera en morir. Desafortunadamente, esto resulta ser cierto para Vivian. Luego, la película narra el trágico viaje de Vivian después de que se involucra con un jugador encantador y sucumbe a su peligroso estilo de vida.
Si bien recibió malas críticas en el momento de su estreno (1932), le ha ido mejor desde entonces, y la interpretación de Dvorak de Vivian, su consumo de drogas, su abstinencia y su suicidio se consideran las mejores de su carrera. En el camino, su amante secuestra a su hijo para retenerlo como rescate y pagar sus deudas de juego. Esta estratagema es descubierta por los gánsteres que vienen a recolectar (uno de los cuales es un joven Humphrey Bogart), quienes suben las apuestas y luego amenazan con matar al niño cuando temen ser descubiertos. En general, es una historia morbosa con el tipo de realismo que funcionaría bien en el cine moderno, pero que, curiosamente, la oficina de Hays le dio el visto bueno porque las personas que hicieron mal recibieron el debido castigo.
12 La historia de Temple Drake cuenta la caída de una mujer
Su implacable representación de la violencia aún sorprende
La discutible película titulada «La historia de Temple Drake«, proyectada por primera vez en 1933, se inspiró en la novela igualmente polémica «Sanctuary» de William Faulkner (publicada en 1931). Aunque la película no es tan intensa como el libro, describe la sombría realidad bajo la superficie del Sur, revelando temas como el asesinato, la violación, la prostitución y violencia adicional. Esta fue la película que impulsó la autoridad de la Oficina Hays para hacer cumplir su código.
En el pequeño pueblo de Mississippi nos encontramos con Temple Drake, una joven que rechaza la propuesta de matrimonio de Stephen Benbow. En cambio, se involucra con un hombre llamado Toddy en una reunión social. Después de que Toddy, ebrio, choca su auto, ambos terminan cautivos en un bar clandestino subterráneo. Los propietarios intentan proteger a Temple asignando a un joven para que la cuide mientras duerme; sin embargo, un patrón llamado Trigger mata al guardia y la viola, transportándola a otra ciudad donde la obliga a prostituirse. La innovadora técnica del director Stephen Roberts de utilizar la iluminación, primeros planos contrastados con gritos ahogados fuera de la pantalla, transmite eficazmente la atmósfera escalofriante que describe la vida en el Sur durante esta época.
11 La entrada del empleado retrata el abuso de poder
Esta película es lamentablemente relevante hoy
En el clima actual post-#MeToo, la cruda franqueza de la película «La entrada de los empleados» sigue siendo sorprendente y ofensiva. El personaje de Kurt Anderson (interpretado por Warren William) es un gerente implacable de unos grandes almacenes, dispuesto a pisotear a cualquiera para triunfar en su carrera. También es un notorio mujeriego que desprecia el matrimonio y considera que las mujeres simplemente buscan seguridad financiera de los hombres. Una noche, se encuentra con Madeleine Walters (interpretada por Loretta Young) tocando el piano de la tienda. Para asegurarle un puesto de modelo, Anderson sucumbe a sus deseos.
Durante la historia, Anderson despide al jefe del departamento de hombres y lo reemplaza con un hombre más joven, Martin West (Wallace Ford). A medida que Martin y Madeliene desarrollan sentimientos mutuos y se casan en secreto, surgen conflictos. Un ejemplo de ello es su acalorada discusión en un evento de la empresa. Anderson consuela a Madeliene después, ofreciéndole una de sus habitaciones para descansar. Más tarde esa noche, después de que ella se queda dormida, Anderson aprovecha la situación para violarla. Más tarde utiliza estos casos como medio para alterar su matrimonio con Martin. Al final de la película, a pesar de los abusos de poder de Anderson, no hay retribución ni castigo para él. Este abuso de poder desenfrenado deja un sabor amargo, especialmente a la luz del intento de suicidio de Madeliene (aunque ella y Martin finalmente se reconcilian al final de la película).
10 mujer pelirroja retrata a Lil que usa el sexo para salir adelante
Incluso cuando intenta asesinar, no enfrenta repercusiones
Como entusiasta acérrimo del cine, puedo decir con confianza que Jean Harlow fue sin lugar a dudas una de las estrellas brillantes del Hollywood anterior al Código. Conocida como un ícono seductor, obtuvo tanto elogios como controversia por su interpretación de personajes de «chicas malas». Una de sus películas más comentadas, La mujer pelirroja, sigue la historia de Lil, una joven atrevida que asciende en la escala social mediante el uso estratégico de su encanto. En una escena que aún hoy sorprende, ella seduce juguetonamente a su jefe, William, quien reacciona enojado abofeteándola. Para su sorpresa, ella responde con una sonrisa encantadora y confiesa que realmente lo disfruta.
Como cinéfilo apasionado, debo decir que en la cautivadora película titulada «La mujer pelirroja«, el personaje de Lil emprende un viaje salvaje por el mundo del amor y el engaño. Ella organiza un divorcio, mantiene sus escapadas románticas incluso después de casarse e incluso atenta contra la vida de alguien: toda una montaña rusa, ¿no? Sin embargo, lo que a muchos les pareció peculiar fue que Lil al final salió impune, encontrándose rica y aceptada por la sociedad. La representación abierta de la sexualidad en la película provocó controversia en todo el país. Con el endurecimiento del Código de Producción, personajes como Lil tuvieron que experimentar los frutos amargos de sus acciones: una lección de «comportamiento pecaminoso» de la que no podían escapar fácilmente.
9 La señal de la cruz retrata la decadencia romana
Lanzado en 1932, su reputación finalmente condujo a la aplicación del código
su afecto por una mujer cristiana versus su lealtad al emperador Nerón. La película contiene varias escenas discutibles, incluida una en la que Claudette Colbert se baña en leche, representaciones de desnudez durante peleas de gladiadores y un segmento llamado «Danza de la luna desnuda», donde Ancaria intenta seducir a Mercia.
En las versiones publicadas después de 1934, se eliminaron varias escenas discutibles de «La Señal de la Cruz». Sin embargo, en 1993, las restauraciones devolvieron la película a su versión original. La controversia en torno a esta película fue tan intensa que provocó la formación de la Legión Católica de la Decencia, una organización que colaboró con el Código de Producción para moderar las representaciones cinematográficas de sexo y violencia en películas posteriores.
8 Marruecos fue una colaboración de Marlene Dietrich y Josef Von Strenberg
Dietrich hizo alarde de vestimenta masculina, enojando a la oficina de Hays
Para apreciar verdaderamente el cine anterior al Código, es esencial profundizar en la asociación entre Josef von Sternberg y Marlene Dietrich. Durante un período de cinco años, de 1930 a 1935, colaboraron en siete películas, tanto en Alemania como en Hollywood. Su primera empresa conjunta en Hollywood, titulada «Marruecos», presenta a Dietrich como una cautivadora cantante de cabaret que se enamora de un legionario.
En la película «Marruecos», había una escena controvertida en la que Marlene Dietrich, vestida con un traje formal de hombre, besaba a una mujer del público. Esta escena, que contribuyó al estatus icónico de Dietrich como representante de la cultura LGBTQ en el siglo XX, causó gran revuelo debido a la vestimenta masculina y el beso con otra mujer. La mecenas se mantuvo en la película por motivos de continuidad relacionados con una flor.
7 Ella le hizo mal es la famosa película de Mae West
Era conocida por su personalidad de independencia sexual
Mae West afirmó: «Estoy totalmente a favor de la censura; eso me ha puesto donde estoy hoy». Conocida por sus ingeniosos dobles significados e insinuaciones, fue una de las figuras más polémicas del cine anterior al Código, ya que creó hábilmente un personaje en la pantalla que encarnaba la libertad sexual. Su icónica película, titulada «She Done Him Wrong«, se centra en el personaje de Lady Lou, una cantante de club nocturno, que maneja con gracia la atención de varios admiradores, incluido el Capitán Cummings, interpretado por Carry Grant.
Surgió un debate en torno a la película «She Done Him Wrong» y otras películas occidentales anteriores al Código debido a cómo los personajes del protagonista parecían manipular a los hombres para su propio placer, solo para dejarlos de lado una vez cumplidos sus deseos. cumplido. La película es particularmente recordada por la conocida frase de West: «‘¿Por qué no vienes algún día a verme?’«. A lo largo de la historia, Lou se ve envuelta en actividades criminales que podrían conducir a su arresto o incluso a su muerte. Sin embargo, termina con un anillo de compromiso del oficial encubierto asignado para detener al jefe criminal al que sirve.
6 Design for Living retrata un acuerdo poliamoroso
En 1933, esto era nada menos que escandaloso
Ernst Lubitsch, conocido por su éxito en el cine mudo, realmente brilló como cineasta durante su era de comedias románticas anteriores al Código, que se centraban en temas de clase y sexualidad. Su producción más atrevida de esta época fue «Design for Living», una película que presenta a Miriam Hopkins como Gilda, una mujer dividida entre dos hombres, Tom y George. En un acuerdo inusual, el trío decide vivir juntos. Gilda pone condiciones: será su musa, amiga y crítica, pero no su amante.
A pesar de estar inicialmente involucrada con George y luego con Tom, sigue sin estar segura entre los dos. Se casa con un antiguo admirador, pero su matrimonio sigue sin consumarse. Tras la reaparición de Tom y George en su fiesta de bodas, su intimidad pasada se reaviva. En consecuencia, Gilda se aleja de su marido y reside una vez más con sus antiguos amantes, situación que recuerda al ménage-à-trois de la obra Design for Living. La audaz relación a tres bandas representada en esta producción conmocionó al público y enfureció a los censores tras su estreno en 1933. La Administración del Código de Producción y la Legión Católica de la Decencia prohibieron la reedición de Design for Living después de la completa aplicación de la ley. del Código de Producción de 1934.
5 El gato negro es una oscura historia de traición
También es la mejor película de terror de la década.
Estrenada apenas unas semanas antes del endurecimiento del Código de Producción, «El Gato Negro» es una de las películas de terror más aterradoras de la década de 1930. La película gira en torno a un psiquiatra húngaro y una pareja de recién casados que se encuentran atrapados en la residencia de un arquitecto austriaco. A medida que se desarrolla la historia, se adentra en un mundo profundamente siniestro de temor, retribución y la forma más atroz de engaño. Este engaño se vuelve aún más escalofriante a medida que avanza la historia, dejando al público conmocionado hasta la médula. La película presenta a las leyendas de la actuación Boris Karloff y Bela Lugosi.
Como entusiasta del cine, debo decir que sumergirse en el escalofriante mundo de lo macabro, ‘El Gato Negro’, ¡es un viaje realmente emocionante! Esta película profundiza en reinos oscuros como el satanismo, el incesto, la necrofilia, el miedo a los gatos (ailurofobia) y el ocultismo. La historia es intensa con uso de drogas, tortura e incluso una ceremonia de Misa Negra. Una escena particularmente escalofriante es la del desollado, que sigue siendo uno de los momentos más petrificantes del cine de terror. Sorprendentemente, el director Edgar G. Ulmer entretejió magistralmente todos estos temas en una película que apenas dura una hora.
4 La isla de las almas perdidas está provocada por la controversia
Está basada en la isla del Doctor Moreau.
La película de 1932 La isla de las almas perdidas, inspirada en la novela de H. G. Wells La isla del doctor Moreau, presenta una inquietante historia de terror anterior al Código sobre un científico obsesionado con transformar animales en humanos. Tras el éxito de Dr. Jekyll y Mr. Hyde, Paramount Productions, Inc. pretendían crear otra película que combinara terror con temas sexuales. En particular, el único personaje femenino de la isla, Lota (interpretada por Kathleen Burke), es una mujer derivada de una pantera que muestra afecto hacia el personaje principal de la película, Edward Parker (Richard Arlen).
En primera persona como seguidor: «La novela ‘La isla de las almas perdidas’, con sus temas de reproducción entre especies y vivisección, junto con el autoproclamado estatus divino del Dr. Moreau, provocó el desprecio mundial. Esto llevó a numerosos países a prohibir rotundamente la película o censurándola fuertemente, mientras que otros se negaron a estrenarla durante las décadas de 1930 y 1940 bajo el Código de Producción. A pesar de esto, la resonancia de la historia persiste, como lo demuestran las adaptaciones cinematográficas posteriores.
3 La cara del bebé retrata el abuso sexual y la explotación sexual
El uso del sexo para mejorar la posición social sorprendió al público
En «Baby Face», protagonizada por Barbara Stanwyck, la historia se desarrolla en torno al personaje Lily Powers. A manos de su padre, Nick (interpretado por Robert Barrat), Lily se ve empujada a una vida de prostitución en su bar clandestino cuando tenía 14 años. Después de soportar años de maltrato, Nick sufre una muerte prematura cuando se incendia y muere. Inspirada por el consejo de un amigo, Lily decide revertir la situación, aprovechando su encanto para manipular a los hombres, como un joven banquero interpretado por John Wayne, con el fin de elevar su posición social y financiera.
La exposición abierta de la sexualidad y las ideas nietzscheanas retratadas en la película «Baby Face» provocó una gran conmoción dentro de la Production Code Administration cuando se estrenó en 1933. Después de 1934, la PCA hizo cambios sustanciales en ciertas escenas, eliminó otras partes por completo e incluso Diálogo revisado a lo largo de la película «Baby Face». Durante muchos años, esta película se consideró perdida, hasta que en 2004 se redescubrió su negativo original.
2Scarface es una película de gánsteres legendaria
Comenzó una fascinación pública por las películas de gánsteres en 1932.
La era anterior a los códigos cinematográficos, conocida como la era anterior al Código de Hollywood, marcó el surgimiento de las películas de gánsteres contemporáneas. Películas como «El pequeño César» y «El enemigo público» suscitaron un importante debate. Entre estas películas de gánsteres anteriores al Código, ninguna provocó más desacuerdo que «Scarface» de Howard Hawks. En «Scarface», Paul Muni interpreta a Tony Camonte, un despiadado gángster de Chicago que asciende de rango a través de la violencia.
Sin duda, la película «Scarface» destacó como la película más violenta que Hollywood había producido hasta entonces. Aunque el Código de Producción aún no se había aplicado plenamente, la Oficina de Hayes pospuso repetidamente el lanzamiento de «Scarface«, lo que provocó que Howard Hawks realizara varias modificaciones. Sin embargo, Hawks se resistió a estos cambios, lo que llevó a que Richard Rossen fuera contratado para dirigir escenas adicionales que denunciaban más claramente las actividades de los gánsteres y el crimen organizado.
1 Freaks es legendario por ser especialmente grotesco
El público apenas podía soportar estar sentado viendo la película de 1932
Sin duda, Freaks destaca como la película más extraordinaria producida en los años treinta. Esta película, dirigida por Tod Browning, es una escalofriante historia de terror centrada en una compañía de circo que planea vengarse de Cleopatra, una trapecista, por su comportamiento traicionero hacia uno de los suyos, una personita llamada Hans. Sin embargo, ella planea con su socio, Hércules, envenenar a Hans después del matrimonio, con la esperanza de adquirir su importante fortuna tras su fallecimiento.
Las historias sobre las proyecciones públicas de Freaks se han vuelto legendarias: Los espectadores afirmaron que debido a las escenas «inquietantes» de Freaks los espectadores huyeron del cine, se sintieron mal o incluso se desmayaron. Una mujer incluso emprendió acciones legales contra MGM, afirmando que ver Freaks le provocó un aborto espontáneo. Al final, se quitaron unos 30 minutos de la película y Freaks resultó ser un fracaso de taquilla. Sin embargo, en retrospectiva, los críticos ahora ven a Freaks como un ejemplo sobresaliente del cine anterior al Código.
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2024-10-06 21:37