Como cinéfilo con predilección por las películas que profundizan en la condición humana y los problemas sociales, me siento profundamente cautivado por estas tres obras maestras innovadoras de los reinos del expresionismo alemán y la nueva ola francesa.
Martin Scorsese presentó recientemente un catálogo completo de 39 películas extranjeras esenciales que recomienda ver. Estas extraordinarias películas, que han dejado un impacto imborrable en el cine, se denominan colectivamente un tesoro escondido de obras maestras cinematográficas. Muchas de estas películas desempeñaron un papel fundamental en la configuración del panorama cinematográfico que conocemos hoy, y era evidente que Scorsese encontró algo verdaderamente notable en cada una de ellas.
Algunas razones para seleccionar estas películas en particular podrían resultar claras debido a su condición de clásicos dentro de sus respectivos géneros. Por ejemplo, «Los 400 golpes» inició la nueva ola francesa, mientras que «Las reglas del juego» suscitó controversia durante un período delicado y enfrentó una intensa reacción. Por otro lado, películas como «Los siete samuráis» han influido en muchas películas de éxito en los últimos tiempos. Sin embargo, hay películas que no alcanzaron ninguno de los hitos. No obstante, es intrigante comprender la razón fundamental de Scorsese para elegir estos títulos específicos.
10 La Bella y la Bestia (La Belle et la Bete) definieron el look Belle
«Puede parecer inesperado, pero Martin Scorsese incluye La Bella y la Bestia en su lista de películas imperdibles. Si bien esta fantasía romántica francesa de 2014 no es universalmente amada ni considerada un clásico, a menudo se la ve como una telenovela con un toque fantástico. Sin embargo, los impresionantes diseños de escenografía y vestuario de la película superan con creces los de la adaptación más reciente de Disney.» La paráfrasis tiene como objetivo transmitir el mismo significado utilizando un lenguaje más simple y un tono más conversacional.
Siguiendo el espíritu de «La Bella y la Bestia» de Gabrielle-Suzanne Barbot de Villeneuve, Lea Seydoux como Bella y Vincent Casse como la Bestia son los personajes que inmediatamente vienen a la mente cuando se mencionan sus nombres. Aunque la película en sí puede no ser tan notable, la apariencia visual de ambos personajes se considera icónica. Los decorados y el vestuario de esta producción son opulentos y grandiosos.
9 Seven Samurai fue el primero en presentar un conjunto
La película clásica «Los siete samuráis», dirigida por Akira Kurosawa, es ampliamente reconocida como un hito importante en la historia del cine. Este estimado trabajo aparece constantemente en las listas de las mejores películas, obteniendo elogios tanto de espectadores ocasionales como de críticos experimentados. Su combinación única de filosofía, entretenimiento, emociones humanas y acción ha creado una impresión imborrable, ganándose un lugar como un referente histórico en el cine. No es de extrañar que esta obra maestra se estudie a menudo en las escuelas de cine y los críticos hagan referencia a ella con frecuencia. Dado el profundo aprecio de Martin Scorsese por el cine, no sorprende que respalde esta película.
La película sigue una trama sencilla: ambientada en un pueblo del siglo XVI, sus habitantes desesperados contratan samuráis para defenderse de los bandidos. Muchos fanáticos del oeste reconocerían la trama como una fórmula recurrente para películas occidentales posteriores, y es cierto. Seven Samari es la primera película que presenta un conjunto y desde entonces ha inspirado y dado forma a innumerables películas, incluidas Los Vengadores, Star Wars y Rogue One, todos los cuales cuentan con un elenco coral. La película también se ha convertido en una película del oeste llamada Los siete magníficos.
8 Altos y bajos de Akira Kurosawa plantean preguntas sobre la humanidad
En otra obra maestra de Akira Kurosawa, el director que posiblemente estuvo más cerca de fusionar los estilos cinematográficos orientales y occidentales, la película «High and Low» se desvía de temas tradicionales japoneses como los samuráis o las narrativas del pasado estadounidense. En cambio, profundiza en la sociedad japonesa contemporánea de posguerra, donde la disparidad social y la desigualdad de riqueza han aumentado significativamente las tasas de criminalidad. La narrativa se desarrolla siguiendo la línea de un típico thriller de secuestro, con un humilde criminal emprendiendo una peligrosa misión para su propia supervivencia.
Kurosawa reinventa creativamente la película, basada en la novela casi olvidada de Evan Hunter titulada «King’s Ransom». Aporta una perspectiva única a la historia, desarrollando aún más su narrativa. A medida que la historia se desarrolla a través de negociaciones, pagos de rescates y persecuciones humanas, la película plantea una pregunta profunda sobre la naturaleza humana y la sociedad: «¿Por qué no podemos encontrar todos la felicidad juntos?» La obra maestra de Kurosawa, «High and Low«, es a la vez emocionante e intensa, además de estimulante.
7 La muerte en la horca plantea dudas sobre la pena capital
A partir de acontecimientos de la vida real sobre un estudiante coreano nacido en Japón, condenado a muerte en la horca por asesinato y agresión sexual, «Muerte en la horca» de Oshima inicia un diálogo en torno a la pena capital. Si bien la película puede parecer desorganizada y desconcertante a veces, sirve para provocar pensamientos y hacer preguntas que exigen atención. En la narración, el hombre coreano que fue ejecutado sobrevivió milagrosamente, causando agitación entre las autoridades mientras luchaban por «justicia» y «rectitud». Como espectador cautivado, me encuentro profundamente involucrado en esta exploración de la justicia y la moralidad que invita a la reflexión.
La película adopta un enfoque ingenioso y oscuramente cómico para criticar la pena capital, el imperialismo y los sentimientos anticoreanos en Japón. Combina magistralmente el humor con la gravedad de su tema, usándolo para enfatizar su mensaje. Debajo de la máscara de la justicia se esconde la brutalidad y la sed de violencia. Los recurrentes intentos de encontrar excusas para su ejecución subrayan lo absurda que es toda esta situación.
6 El misterio de Kaspar Hauser está basado en una historia real
La primera película de Werner Herzog, «El enigma de Kaspar Hauser», está basada en una historia real de la historia alemana. En 1828, un joven llamado Kaspar surgió en Nuremberg con sólo las habilidades básicas para hablar y caminar. Durante la mayor parte de su vida estuvo cautivo. Más tarde fue utilizado en un espectáculo de circo antes de que un compasivo profesor Daumier lo tomara bajo su protección. A pesar de aprender las costumbres de la sociedad convencional, los traumas del pasado de Kaspar continuaron atormentándolo sutilmente.
El trabajo inicial de Herzog, «El enigma de Kaspar Hauser», es una exploración cautivadora de la supervivencia, la muerte y lo desconocido. La historia gira en torno a un hombre que mantuvo a Kaspar en confinamiento y la identidad del propio Kaspar. Sigue siendo un enigma: ¿era un noble o simplemente una víctima? A pesar de los numerosos intentos de descubrir la verdad sobre estos individuos, ambos siguen siendo figuras enigmáticas. Sin embargo, a Herzog no le preocupaba resolver el crimen; en cambio, profundizó en la naturaleza multifacética del misterio mismo.
5 Las reglas del juego Comentarios sobre la sociedad francesa anterior a la Segunda Guerra Mundial
En un estilo más ligero y conversacional: la película de Jean Renoir, «Las reglas del juego«, apunta a la aristocracia europea, a su personal y a su apatía hacia los demás. Esta comedia dramática satírica francesa sigue siendo ampliamente reconocida como una crítica de la sociedad anterior a la Segunda Guerra Mundial. La película se estrenó al borde de la Segunda Guerra Mundial, lo que hace posible que su público haya reaccionado agresivamente, considerando que la película era intencionalmente incómoda para algunos espectadores. Dadas las señales evidentes de que Europa se encamina hacia la guerra, el mensaje de «Las reglas del juego» podría ser malinterpretado por el público francés de izquierdas.
Debido a críticas desfavorables, Renoir se vio obligado a reducir la duración de la película de 113 minutos a 85. Durante la Segunda Guerra Mundial, el laboratorio donde se almacenaba la versión original de la película fue destruido. La versión abreviada es todo lo que sobrevive. Inicialmente recibió críticas, Las reglas del juego ahora es ampliamente reconocida como una de las películas más grandes y significativas jamás producidas.
4 Dr. Mabuse, el jugador, retrata a un villano icónico
Cambiando de tema respecto de las películas sombrías, la película «Dr. Mabuse, el jugador» presenta un marcado contraste. La narrativa gira en torno a un antagonista con múltiples talentos, el Dr. Mabuse, que se diferencia significativamente de los superhéroes tradicionales. En lugar de aprovechar sus habilidades para propósitos justos, el Dr. Mabuse es un astuto manipulador que ve a las personas como víctimas potenciales. Amasa riqueza mediante prácticas de juego deshonestas.
A diferencia de la narración tradicional, la trama de esta película no sigue una estructura narrativa estricta. Más bien, sirve como plataforma para mostrar las acciones manipuladoras del Dr. Mabuse. Esta película ha sido elogiada por su calidad cautivadora. Parece que la influencia hipnótica del Dr. Mabuse impregna la propia película. Dra. Mabuse, el jugador ejerce un profundo impacto psicológico en su audiencia. Al igual que su personaje central, es versátil e impredecible. Como destacado antagonista del expresionismo alemán, el Dr. Mabuse es un intrigante meticuloso que orquesta cada movimiento en su búsqueda de poder.
3 películas de ciencia ficción del futuro inspiradas en Metrópolis de Fritz Lang
Metropolis es una importante película alemana con raíces en la ciencia ficción. Creada por Fritz Lang, el pionero del cine de ciencia ficción, transporta al público a un futuro sombrío caracterizado por el capitalismo extremo y la estratificación social. La narrativa se desarrolla a través de la perspectiva de Freder, un joven rico, que descubre la sombría realidad que sufre la otra mitad. Mientras se alía con María, una maestra rebelde, Freder desafía a su padre y toma medidas. La película retrata vívidamente dos mundos contrastantes: «La ciudad de los trabajadores», donde los trabajadores son sometidos a tareas inhumanas y despojados de su identidad, y «El club de los hijos», que se describe como un paraíso idílico.
Como admirador apasionado, es escalofriante ver cuán misteriosamente Metropolis presagió nuestras divisiones sociales modernas que surgieron de la rápida industrialización a principios de siglo. Casi parecía como si estuviera mirando hacia el futuro. . Esta innovadora película sin duda ha dejado una huella imborrable en el cine de ciencia ficción. Curiosamente, se ha descubierto que varias producciones de Batman incorporan elementos de diseño inspirados en Metropolis en sus universos ficticios.
2 Los 400 golpes fue una de las películas que inició la nueva ola francesa
Antoine, de 14 años, es a menudo visto como un alborotador debido a su habilidad para hacer travesuras, pero es esencial comprender que es profundamente incomprendido y maltratado. La película «Les 400 Coups» de Francois Truffaut, derivada de la frase francesa «faire les quatre cents coups», que significa «causar muchos problemas», retrata precisamente este tema. Esta película arrojó luz sobre el trato injusto que recibían los delincuentes juveniles en Francia durante esa época y jugó un papel importante en el inicio del movimiento cinematográfico francés de la Nueva Ola.
La película se inspira en los primeros años de Truffaut y utiliza técnicas de edición innovadoras, poco comunes en ese momento. Este uso creativo de la edición fue innovador. La película es particularmente conocida por su sorprendente fotograma congelado final. En términos de temática, esta película autobiográfica explora el concepto de escapismo de manera diferente a las películas típicas, ya que se basa en las experiencias personales de Truffaut en lugar de fabricar una historia ficticia para ilustrar la idea.
1 Dispara al pianista
Después del estreno de la primera película de Francois Truffaut, «Los 400 golpes», en 1959, siguió su segunda producción, titulada «Shoot the Piano Player», en 1960. Basada en la novela de David Goodis «Down There», esta película alterna entre escenas serias y tonos humorísticos. Esta película al estilo New Wave se centra en un pianista oprimido en un destartalado bar parisino. A pesar de su apariencia de fracaso, el pianista fue en su día un renombrado músico clásico. Su carrera y su matrimonio llegaron a su fin cuando su esposa trágicamente se quitó la vida.
Truffaut se centró en retratar el turbulento estilo de vida del personaje del pianista. Lo que hace que Shoot the Piano Player sea una obra de arte única es su interpretación inventiva del material original. La película sigue sólo vagamente la novela de Goodis, con muchas escenas que se desvían significativamente de la trama. En cambio, la película sirve principalmente para ilustrar el deterioro de la condición mental del pianista y la profunda tristeza y burla de su existencia.
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2024-09-14 04:06