Como cinéfilo que ha pasado innumerables horas inmerso en el fascinante mundo del cine, no puedo evitar maravillarme ante las formas, a menudo desconcertantes, en que el público ha recibido algunas obras maestras. En mi humilde opinión, parece que el gran arte, especialmente películas como las que hemos discutido aquí, tiende a ser malinterpretado durante su lanzamiento inicial, solo para ganar estatus de culto y reconocimiento con el tiempo.
El cine de la década de 1980 tuvo una buena cantidad de películas que eran difíciles de comprender para el público, como en cualquier otra década. Al ser un período complicado marcado por la Reaganomics, la tensión de la Guerra Fría y la recesión económica, las películas de esta época frecuentemente reflejaban los problemas de la sociedad de maneras sutiles que podrían no haber sido inmediatamente claras para todos. En algunos casos, estas sutilezas llevaron a que las películas fracasaran en la taquilla, pero desde entonces su significado e intención se han vuelto más evidentes en retrospectiva.
Las películas controvertidas, conocidas por suscitar debates, a menudo ganan infamia debido a malentendidos que surgen de su naturaleza estimulante, que con frecuencia desafía las suposiciones de la audiencia y las convenciones sociales. Este fenómeno ha sido particularmente frecuente en el pasado, cuando el acceso a información detrás de escena o a análisis detallados de películas era limitado, principalmente a través del discurso en línea. Al principio, es posible que algunos espectadores no hayan captado el mensaje de estas películas innovadoras, pero su continua relevancia hoy en día subraya su impacto duradero.
10 Wall Street (1987)
El público pasó por alto la crítica capitalista de Wall Street
Michael Douglas recibió un Oscar al Mejor Actor por su interpretación del ambicioso y despiadado corredor de bolsa Gordon Gekko en la película Wall Street. Este personaje sirvió como una crítica mordaz del capitalismo y la atmósfera impulsada por la codicia de la Reaganomics de los años 80. Sin embargo, la afirmación de Gekko de que «la codicia es buena» no debía tomarse literalmente. Más bien, el director Oliver Stone animó a los espectadores a mirar más allá del éxito financiero de las acciones y los bonos y descubrir la frialdad y el materialismo superficial que se esconden debajo.
A pesar de ofrecer una imagen atractiva de Wall Street, la película en realidad transmitió un fuerte mensaje anticapitalista que muchos espectadores podrían haber pasado por alto. El personaje Gekko, que a algunos espectadores les parecía carismático y exitoso, era en realidad un villano, y la película sirvió para subrayar la cuestionable moralidad de individuos como él de los años 1980. Contrariamente a su ambiente aspiracional, Wall Street estaba lejos de ser inspirador.
9 Primera sangre (1982)
El público no pudo ver el mensaje sobre el tratamiento de los veteranos en First Blood.
Sylvester Stallone dio vida a un personaje icónico y duradero muy parecido a su debut como Rocky Balboa en First Blood. En esta película, interpretó a un veterano de la guerra de Vietnam que luchaba contra el trastorno de estrés postraumático, cuya agitación emocional lo obligó a usar sus habilidades de combate para evadir una implacable persecución en lo profundo de los bosques de Hope, Washington. Aunque First Blood fue un gran éxito de taquilla y lanzó una nueva serie de películas de acción, muchos espectadores pasaron por alto las historias más profundas, emocionales y psicológicas de la película.
La película «First Blood» ofreció más que una simple película de acción; simbolizaba el maltrato que sufrían los veteranos de guerra y retrataba cómo los impactos devastadores del conflicto persistieron en las vidas de muchos soldados. Los intensos flashbacks de Vietnam y las estrategias de combate poco convencionales de Rambo sirvieron como un claro recordatorio de que para aquellos que estaban profundamente inmersos en la batalla, desconectarse puede ser un desafío. Esencialmente, First Blood transmitió una narrativa profunda y emocional, pero su transformación en una serie de acción de alto octanaje destacó la incomprensión de la audiencia sobre su verdadero mensaje.
8 Cazador de hombres (1986)
El público no apreció las elecciones estilísticas de Michael Mann.
Si bien la interpretación de Anthony Hopkins como el Dr. Hannibal Lecter en «El silencio de los corderos» se considera ampliamente como la interpretación cinematográfica definitiva, es importante tener en cuenta que Brian Cox inicialmente le dio vida al personaje en «Manhunter» de Michael Mann. Esta película, una adaptación de la novela «Dragón Rojo» de Thomas Harris, fue inicialmente una decepción de taquilla, pero desde entonces ha adquirido un estatus de culto. Con una de las mejores bandas sonoras de películas con sintetizador de la década de 1980, «Manhunter» trascendió los típicos thrillers policiales al centrarse en el estilo y la atmósfera puros en lugar de solo en la trama.
Mann empleó el color para crear un estilo visual con tonos sutiles para la película «Manhunter», que transmitía eficazmente su atmósfera. Aunque algunos espectadores modernos encontraron desagradable el enfoque artístico de la película durante la década de 1980, ahora se destaca como una joya única entre un mar de thrillers criminales olvidables y corrientes de esa época. Lamentablemente, “Manhunter” no recibió el reconocimiento que merecía en su momento; sin embargo, su énfasis en el estado de ánimo y el tono dejó un impacto imborrable en películas posteriores como «Se7en».
7 RoboCop (1987)
El público se perdió la profundidad satírica de RoboCop
Inicialmente, RoboCop parecía una típica película de acción de alto octanaje fuertemente influenciada por The Terminator para la mayoría de los espectadores cuando se estrenó en 1987. A pesar de esta impresión inicial, resultó ser un éxito de taquilla y el lugar de nacimiento de una serie completamente nueva. Sin embargo, debajo de su barniz de acción de ciencia ficción se esconde un mensaje más profundo sobre la naturaleza humana, la identidad propia, la avaricia corporativa y la corrupción, lo que hace que los temas de RoboCop sean mucho más ricos que la típica película de acción del género.
RoboCop sirvió como una dura crítica de las políticas económicas de la era Reagan, burlándose hábilmente de las preocupaciones conservadoras sobre las drogas y el crimen. Sus matices religiosos simbólicos, que recuerdan a la crucifixión de Jesucristo, no fueron ampliamente discutidos hasta la llegada de Internet y su capacidad para facilitar un debate generalizado. Hoy en día, los espectadores de todo el mundo pueden discutir la intrincada sátira de RoboCop en línea, haciendo que sus complejos temas sean más accesibles que nunca.
6 Caracortada (1983)
El público que idolatraba a Tony Montana no entendió el punto.
En uno de sus papeles más memorables, Al Pacino brilló en la película «Scarface», una película que dejó una huella indeleble en la cultura pop con sus imágenes y eslóganes. Como Tony Montana, Pacino dio vida a un grado de exceso brutal que expuso el carácter despiadado y audaz de los gánsteres, dando un nuevo giro a la película de Howard Hawks de 1932 para una audiencia contemporánea. Sin embargo, es importante señalar que desde entonces Tony Montana ha sido adoptado como un símbolo en la cultura hip-hop. Aquellos que vieron «Scarface» como un respaldo a un comportamiento criminal probablemente perdieron por completo su verdadero mensaje.
En la película «Scarface», escenas como el infame tiroteo de «mi pequeño amigo» y los extravagantes montones de cocaína representados sirven como un crudo recordatorio del vacío del materialismo. Aunque algunos espectadores podrían haber visto a Tony como una encarnación de la prosperidad criminal, su problemática narrativa en realidad ofrece una crítica del vacío del sueño americano. A pesar de transformarse de un inmigrante indigente a un narcotraficante, Tony perdió de vista el verdadero propósito y significado de la vida.
5 La cosa (1982)
El público no logró apreciar The Thing y desde entonces ha sido reevaluado.
A pesar de ser aclamada frecuentemente como una de las mejores películas de terror jamás producidas, es sorprendente el poco aprecio que recibió The Thing por parte del público cuando se estrenó por primera vez. Aunque la escalofriante historia de desconfianza y paranoia de John Carpenter ha resistido la prueba del tiempo, The Thing se quedó corta en taquilla ya que los espectadores prefirieron la película extraterrestre más esperanzadora, E.T. el extraterrestre. Aunque los efectos especiales fueron aplaudidos, su apasionante narrativa y su ambiente distintivo fueron en gran medida pasados por alto.
A lo largo de los años, es innegable que la estima por la película titulada «The Thing» ha aumentado, lo que le valió un lugar como una de las obras más importantes de John Carpenter. Esta reevaluación ha solidificado su estatus como un clásico eterno y una visita obligada para cualquier entusiasta del terror. La combinación única de terror lovecraftiano con los temores de aniquilación mutua de la Guerra Fría pasó desapercibida inicialmente, pero desde entonces ha impactado significativamente la cultura popular, dando forma a películas como «The Hateful Eight» y «Stranger Things».
4 brezos (1989)
El público no estaba acostumbrado a la cínica inversión de Heather de los tropos de las películas para adolescentes.
En contraste con la perspectiva esperanzadora que se encuentra en las películas para adolescentes de John Hughes como ‘Sixteen Candles’ y ‘The Breakfast Club’, Heathers retrató una perspectiva sombría y cínica que reflejaba las luchas que enfrentaba la gente durante la era de Reagan. Aunque fue una dura crítica de la vida en la escuela secundaria, la película no tuvo eco entre el público y fracasó en la taquilla. El concepto de una película oscura para adolescentes que explora las sombrías realidades del acoso y el suicidio estaba tan adelantado a su tiempo que los espectadores no captaron completamente su mensaje.
Ahora que reflexionamos sobre ello, la película Heathers resultó ser una obra increíblemente impactante cuya importancia creció con el tiempo. Al principio, el público apreció sus escandalosas tramas y su humor poco convencional, sin comprender plenamente su significado más profundo. Sin embargo, en retrospectiva, queda claro que esta película fue una crítica social sutil pero poderosa sobre temas serios. Hoy en día, Heathers se considera una película culturalmente significativa sobre la mayoría de edad, ya que se transformó en un musical e incluso se reinventó para televisión.
3 Terciopelo azul (1986)
El público se sintió alienado por el estilo cinematográfico surrealista de David Lynch.
David Lynch, un renombrado director surrealista, siempre ha abierto su propio camino en el cine, independientemente de si los críticos o los espectadores captaron plenamente su trabajo único. Esto quedó patente en su innovador debut, «Eraserhead», y continúa hasta el día de hoy con producciones como «Twin Peaks: The Return». Sin embargo, hubo una excepción: la adaptación de «Dune», donde no obtuvo privilegios de edición final. Un fracaso financiero y artístico, Lynch juró no repetir nunca ese error y en lugar de eso redobló su estilo distintivo, a veces desafiante, con su película posterior, «Blue Velvet».
En el momento de su estreno, «Blue Velvet» fue ampliamente incomprendido, ya que David Lynch aún no había logrado un reconocimiento generalizado por su interpretación única, surrealista y espeluznante de la oscuridad oculta de los suburbios. Inicialmente, la película fue percibida como una pieza extraña y excesivamente sexualizada, pasando por alto su profunda crítica social a la violencia reprimida y los anhelos dentro de la sociedad. Hoy en día, «Blue Velvet» goza de un estatus de culto, pero durante la década de 1980 simplemente demostró ser demasiado vanguardista para los espectadores convencionales.
2 El rey de la comedia (1982)
El público no pudo disfrutar del carácter satírico de El rey de la comedia
En la década de 1980, la película de Martin Scorsese «El rey de la comedia» se destacó como una de las mejores producciones de la década, pero lamentablemente no logró resonar entre el público. Esta intrigante exploración del culto y la obsesión por las celebridades era una historia sobre un aspirante a comediante que secuestra a su ídolo, y tenía muchas similitudes con las obras más convincentes de Scorsese, como «Taxi Driver», debido a su complejo estudio de personajes que insinuaba los temas más oscuros que prevalecían. en sus películas anteriores. Sin embargo, El rey de la comedia fue pasado por alto en gran medida tras su lanzamiento, pero con el tiempo, su mordaz sátira se ha vuelto más pertinente.
En uno de sus papeles más notables, Robert De Niro interpretó a Rupert Pupkin, un excéntrico comediante que se enfrenta a problemas de salud mental y que magistralmente cruzó la frontera entre el humor y la tragedia. El estilo narrativo inquietante e incómodo fue quizás demasiado progresista para el público de los años 80, pero desde entonces ha dejado un impacto significativo en películas posteriores. El gran éxito de Joker, que se inspiró en El Rey de la Comedia de numerosas maneras, es un testimonio de su influencia duradera.
1 Haz lo correcto (1989)
El público protestó por Hacer lo correcto y pasó por alto su mensaje contra la violencia.
El hecho de que Driving Miss Daisy se llevara a casa el Premio de la Academia a la mejor película por encima de Hacer lo correcto resume perfectamente lo incomprendida que fue esta película clásica por el público contemporáneo. Como un revelador drama criminal de Spike Lee, Haz lo correctoabordó cuestiones raciales de manera oportuna y urgente y, en comparación con Driving Miss Daisy, fue claramente una película mucho más apremiante y poderosa. Sin embargo, quienes criticaron la descripción de la violencia de Do the Right Things no lograron comprender el significado más profundo de la película.
La película «Haz lo correcto» mostró la creciente tensión racial entre los residentes afroamericanos e italoamericanos en una comunidad en un abrasador día de verano. Tras su estreno, hubo críticas de que podría provocar disturbios, a pesar de que el tema principal de la película era la antiviolencia. Lee, el director, expresó su decepción con aquellos que no entendieron la película, calificando sus protestas de «injustificadas», «demasiado críticas» y «racialmente parciales».
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2024-09-08 12:27