Como entusiasta del cine con experiencia en psicología, encuentro que «La sustancia» es una exploración fascinante de la identidad, la autoimagen y la búsqueda incesante de la perfección que la sociedad impone a los individuos, particularmente a las mujeres. La película emplea magistralmente la dicotomía entre el yo público y el privado, un concepto arraigado en la teoría de la persona de Carl Jung, que está brillantemente representado a través de los personajes de Elisabeth y Sue.
El aprecio por la segunda película de Coralie Fargeat, titulada The Substance, está totalmente justificado. Este trabajo se destaca como una profunda exploración del existencialismo, que no es común en muchas formas de arte. Con un cuidado meticuloso en todos los aspectos, la trama de La Sustancia encaja perfectamente dentro de la película, al igual que la sustancia misma. El tema central de la película, la violencia internalizada de una mujer debido a los estándares de belleza y la discriminación por edad, es claro como el día. Sin embargo, crear una buena película no se trata sólo de transmitir un mensaje; se trata de cómo se transmite ese mensaje. Y en cada rincón de esta película, se comunican múltiples capas de significado.
La intrincada película de Fargeat presenta un diálogo notablemente sutil y una construcción del mundo realizada predominantemente a través del simbolismo. Este diseño fomenta múltiples interpretaciones sin contradecir la narrativa principal. La película, «The Substance», está rica en metáforas y referencias que mantienen al público discutiendo su significado durante los días posteriores a su visualización. Cuando una película tiene un peso simbólico tan fuerte, el significado de cada símbolo a menudo genera debate. La interpretación de símbolos en películas como esta puede ser subjetiva debido a la influencia de experiencias personales, incluso si las intenciones originales del director no están claras. Los espectadores frecuentemente proyectan sus propias experiencias sobre estos símbolos.
10 La escena del camarón evoca la cosificación de la mujer
La historia de Elisabeth Sparkle no necesariamente tiene que girar en torno a una estrella de Tinseltown, ya que su tema principal es universal y aplicable en varias naciones y profesiones. Sin embargo, lo hace. En una clara referencia a los acontecimientos contemporáneos, Dennis Quaid interpreta a un despreciable jefe de televisión llamado Harvey. Para los espectadores que están familiarizados con la primera película de Coralie Fargeat, Revenge, o que conocen el movimiento Me Too, es difícil no anticipar que este villano acosará sexualmente a Sue. La película aprovecha esta suposición, destacando los rasgos físicos más repugnantes del hombre cada vez que aparece y utilizando su lenguaje corporal para ser extremadamente amenazador.
Después de que la dejen ir, Elizabeth permanece callada mientras Harvey continúa hablando y consume una cantidad excesiva de camarones. Este momento aparentemente inofensivo ha sido etiquetado como el más repugnante de la película, superando incluso la violencia gráfica que sigue. Algunos espectadores lo encuentran inquietante no sólo por la acción, sino también por sus implicaciones culturales. En esta escena, Harvey devora simbólicamente los camarones, reflejando la cosificación de la mujer en Hollywood. Esta práctica da como resultado que las mujeres sean descartadas y reemplazadas por «modelos más nuevos», muy parecidos a los automóviles. Así como Harvey deja camarones a medio comer en la mesa, desperdiciando comida sin cuidado, trata a Elizabeth de manera similar, reduciéndola a un manjar desperdiciado. El malestar surge no sólo de la narrativa sino también de la representación del personaje.
9 El activador hace referencia a la adicción
La autoadministración de esta misteriosa sustancia implica varios pasos y puede aparecer como cualquier cosa imaginable. A diferencia de otras películas que podrían representar sustancias como intervenciones médicas o procedimientos quirúrgicos, el enfoque innovador de Fargeat utiliza esta asociación para criticar la fijación de la sociedad por las cirugías cosméticas. Sin embargo, la cirugía en sí no resumiría la verdadera motivación detrás de la decisión inicial de Elisabeth de usar la sustancia.
El activador se asemeja al proceso de tomar drogas intravenosas como la heroína. De repente evocando Réquiem por un sueño, la escena en la que Elisabeth toma el activador en su baño grita «adicción». La actuación de Demi Moore es impresionante, y la impulsiva toma de decisiones de Elisabeth coincide con la mirada vacía de sus ojos en el espejo. Se está automedicando el dolor de su odio a sí misma, como un drogadicto. El sentimiento que persigue Elisabeth es la validación de su autoestima. De esta manera, la película señala indirectamente que los resultados extremos, como rostros y cuerpos fallidos, provienen de la adicción a lograr la belleza.
8 Sue tiene superpoderes
Dicho de otro modo: la película retrata a Sue como una versión mejorada de Elisabeth, principalmente porque es más joven. Sin embargo, si bien el mensaje de la película se basa en la realidad, su estética se inclina hacia lo fantástico, lo que hace que declaraciones como «Sue es mejor» parezcan incrustadas dentro de estos elementos caprichosos. Por ejemplo, a algunos espectadores les resulta difícil creer que Sue pudiera construir ella sola una habitación separada en el baño, lo que consideran una inconsistencia en la trama. ¿Pero tal vez este supuesto ‘agujero en la trama’ sea deliberado y forme parte de la narrativa prevista de la película?
La construcción poco realista de la trastienda ciertamente parece intencionada cuando, hacia el final, Sue patea a Elisabeth a través de la sala de estar como si fuera Starlight de The Boys. La escena de la pelea aclara que Sue tiene algún tipo de fuerza sobrehumana, lo que le permite pelear así y construir cosas rápidamente por sí misma. Esto puede parecer una desviación del mensaje de la película, pero no lo es. Sue es una mejor versión de Elisabeth, y Elisabeth es una mujer talentosa que construyó una carrera larga y exitosa. Toda la admiración que Elisabeth merece se convierte en superpoderes en Sue, lo que implica que no existe una «mejor versión de ti misma» en la vida real.
7 La mosca muerta hace referencia a Cronenberg
En la última escena que representa camarones, una mosca se sumerge en una bebida y muere, lo que algunos espectadores toman como un presagio de la muerte de Elizabeth. Sin embargo, esta mosca tiene un significado más profundo para los aficionados al horror corporal. Estos cinéfilos anticipan con impaciencia The Substance, con la esperanza de que iguale la grandeza de sus queridas películas, muchas de las cuales están asociadas con el maestro del horror corporal, David Cronenberg. Su película de 1986, La mosca, el título más icónico de este subgénero, me viene instantáneamente a la mente al ver esta película.
En el mundo del cine de terror, no puedo dejar de notar que la muerte de una mosca en «La Sustancia» no es un toque accidental. Esta película, aunque no es del estilo de Cronenberg, sí se hace eco de «La mosca», como cuando Sue experimenta una pérdida inexplicable de unas uñas en el baño. La estructura narrativa parece reflejar la versión de Fargeat de «The Brood», una película de 1979 de Cronenberg sobre el dolor de una mujer que se materializa en los hijos que ella da a luz. Ya sea intencionada o no, la desaparición de esta mosca sirve como un símbolo sutil pero poderoso de cómo «La Sustancia» se aleja de «La Mosca». Es un guiño reflexivo al hecho de que esta película ofrece una perspectiva femenina, algo que a menudo falta en las películas dirigidas por hombres.
6 El pasillo es la autoimagen de Elisabeth
El diseño del decorado de The Substance incorpora numerosas representaciones simbólicas y las alteraciones en ubicaciones específicas reflejan los estados psicológicos de los personajes, minimizando la necesidad de un diálogo hablado. En particular, el corredor naranja simboliza la perspectiva de Elizabeth sobre la narrativa de su vida personal. Después de filmar, Elizabeth atraviesa este pasillo. Muestra físicamente sus logros más significativos, en forma de retratos que detallan los hitos de su carrera a lo largo de los años, exhibidos a lo largo de las paredes.
1) La ausencia de la narración de su vida en las paredes simboliza el retiro de Isabel de la vida pública después de ser despedida, tal como lo hizo ella. El pasillo vacío sin su retrato afecta profundamente a Elisabeth, quien se identifica con esa imagen. En lugar de buscar nuevas oportunidades o tomarse un descanso, Elisabeth se avergüenza y recurre al abuso de sustancias. Con el tiempo, los logros de Sue se convierten en la obsesión de Elisabeth, tanto interna como externamente en el pasillo naranja que ahora muestra fotografías de Sue.
5 Elisabeth y Sue son una, pero sólo inconscientemente
La conexión entre Elisabeth y Sue puede resultar confusa. Sue proviene de Elisabeth, a quien apodan Matrix. Son uno, pero no comparten la misma conciencia. A algunos espectadores les parece contraintuitivo que Elisabeth siga tomando la sustancia, ya que ella misma no puede experimentar la vida de Sue. Pero tiene mucho sentido para Elisabeth, que desea parecerse a otra persona, no ser otra persona. Busca la validación a la que ha sido adicta durante décadas, no más experiencia de vida. Este deseo impide a Elisabeth poner fin al experimento hasta el final.
Al no tener una conciencia compartida, los personajes de esta película pueden explorar temas más profundos. La tensión entre Elisabeth y Sue refleja el conflicto entre un individuo y su yo interior, lo que hace que la narrativa sea más identificable para una audiencia más amplia en lugar de centrarse únicamente en los rasgos del personaje. La forma en que se perciben unas a otras simboliza cómo cuestiones sociales como el sexismo y la discriminación por edad pueden enfrentar a las mujeres entre sí. De manera menos directa, se hace eco de una relación tensa entre madre e hija. Su dinámica sirve como recordatorio de que todas las mujeres deberían recordar sus experiencias compartidas, ya que internalizar la misoginia sólo conduce a mayores daños entre las mujeres.
4 Elisasue se convierte en el monstruo de la exitosa película de Elisabeth
En la primera escena que presenta a Harvey, Elisabeth lo escucha hablando por teléfono mientras ella está dentro de un baño. Así es como se da cuenta por primera vez de que será reemplazada. Harvey dice explícitamente que es demasiado mayor para aparecer en televisión y se burla del hecho de que ganó importantes premios hace mucho tiempo. Se burla de su edad diciendo que estaba en la versión de los años 30 de King Kong. Esta breve mención de la película clásica parece aleatoria en este punto, pero se relaciona con la escena final del Monstro Elisasue en el escenario.
En la película «King Kong» de 1933, hay una secuencia muy conocida en la que Kong se presenta en el escenario como un espectáculo extraño. Después de liberarse, causa estragos. De manera similar, la historia The Substance concluye con Elisasue siendo exhibida, al igual que Kong y a solo un paso de perder el control y causar el caos. Después de ganar el Oscar por «King Kong», Elisasue, desde la perspectiva de Harvey, se transforma en una Kong moderna en busca de aceptación. Trágicamente, se da cuenta de que ni siquiera este reconocimiento es suficiente.
3 La ventana de la sala de estar hace referencia a una dicotomía
En el escenario de esta película, una característica notable es la ventana del piso al techo en el departamento de Elisabeth. Esta película profundiza en el conflicto interno de Elisabeth entre ella y los demás, la individualidad y la sociedad. La sala de estar refleja la verdadera naturaleza de Elisabeth, mientras que el pasillo naranja simboliza su percepción personal de sí misma. El apartamento en su conjunto representa cómo se comporta realmente Elisabeth y cómo es percibida por quienes la rodean. Mientras tanto, el baño representa un espacio íntimo y expuesto, que contrasta con la sala de estar, que encarna el concepto de máscara propuesto por Carl Jung: retrata la personalidad pública que Elisabeth presenta al mundo. Ella lucha por reconciliar su verdadera identidad con las expectativas que la sociedad pone sobre ella.
La interpretación se apoya en el gran anuncio exterior visible desde la ventana. Sirve como un recordatorio constante de las expectativas sociales con respecto a la apariencia, proyectando imágenes ideales en su espacio personal. Este contraste entre las realidades exterior e interior se retrata constantemente a lo largo de la película, y Sue también mira hacia afuera para comprender lo que se considera apropiado para ella.
2 Elisasue sólo se siente aliviada cuando se libera de su cuerpo
Elizabeth aspiraba a brillar intensamente, por lo que lo logró convirtiéndose en una reconocida actriz de Hollywood y ganando una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Su carrera continuó prosperando con la televisión sobre fitness hasta los cincuenta. Al comienzo de la película, Elizabeth parece contenta. Sin embargo, esta alegría dura poco, ya que la historia se desarrolla en la primera escena, revelando a Harvey hablando de ella a sus espaldas. A partir de ese momento, Elizabeth se llena de miseria y de una obsesión enfermiza.
Con tanta sangre brotando de los rostros de todos, es posible que algunos espectadores no estén buscando mensajes ocultos en los últimos quince minutos de la película. Pero hay una metáfora clave ahí. Elisasue no es tan insegura como Elisabeth y elige salir en público, pero definitivamente también busca aprobación. Después de ser atacada por la audiencia, Elisasue es solo una sustancia moribunda en el suelo. Se arrastra hasta la cima de su estrella en el paseo de la fama, cumpliendo literalmente su deseo original. En esta escena, cuando finalmente se libera de su cuerpo, la protagonista obtiene su único momento de alivio. Finalmente logró lo que el cuerpo envejecido de Elisabeth no pudo: ser una estrella para siempre.
1 El gran retrato hace referencia a la imagen de Dorian Gray
En 1891, los lectores sin duda quedaron desconcertados por la novela de Oscar Wilde El retrato de Dorian Gray, de la misma manera que el público actual se sorprende con La sustancia. Así como la película de Fargeat comparte una trama similar, también incorpora el tema recurrente de los retratos colosales en su diseño de producción, lo que parece ser una referencia deliberada a la historia de Dorian Gray. En la historia de Wilde, un amigo y artista crea el retrato de Dorian. Poco después de conocerlo, Dorian se ve arrastrado al hedonismo y finalmente abandona su alma por la eterna juventud. En lugar de él mismo, es la imagen la que lleva el peso del envejecimiento y los signos de sus fechorías.
Parece que la obra de arte, o más específicamente, el enorme retrato de Elisabeth, insinúa «El retrato de Dorian Gray». En esta escena de la sala de estar, Elisabeth le arroja algo, creando una fractura en el vidrio, muy similar a cómo Dorian dañó su cuadro y finalmente murió en la novela de Wilde. Curiosamente, después de que Elisabeth rompe su retrato, las acciones de Sue parecen acelerar dramáticamente el proceso de envejecimiento de Elisabeth.
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2024-10-15 06:06