10 grandes películas de acción ‘podridas’ en las que Rotten Tomatoes se equivoca

Como fanático de Zack Snyder desde hace mucho tiempo y su estilo distintivo, puedo decir de todo corazón que «Sucker Punch» es una película que merece más respeto del que ha recibido. Habiendo seguido la carrera de Snyder desde sus inicios, puedo dar fe de que siempre ha sido un gusto adquirido, y esta película no es una excepción.

Como devoto admirador, no puedo evitar reconocer el panorama diverso que el género de acción se ha labrado, ganándose la reputación de ser uno de los géneros más versátiles en términos de calidad a lo largo del tiempo. Cuando una película de acción da en el blanco, lo hace con un impacto que resuena profundamente, cautivando a los espectadores y solidificando su lugar como un ícono cultural genuino, dando lugar a menudo a múltiples franquicias y secuelas. Sin embargo, hay casos en los que estas películas se revelan como meras empresas fabricadas en estudio, desprovistas de alma y creadas únicamente para satisfacer las expectativas de la audiencia con imágenes llamativas, sacrificando la profundidad narrativa y el desarrollo de los personajes en el proceso. En ocasiones, una película que pertenece a este género es injustamente descartada como una entrada genérica más cuando, en verdad, merece mucho más reconocimiento del que recibe.

Rotten Tomatoes ha tenido un impacto significativo en la cultura moderna, influyendo a menudo en las decisiones de los cinéfilos sobre qué película ver. Mientras que algunos espectadores ignoran sus calificaciones, muchos otros las tienen en cuenta al seleccionar una película. Esto a veces puede dar lugar a que películas valiosas o incluso excepcionales sean etiquetadas como «podridas», cuando en realidad pueden ser decentes en el peor de los casos y brillantes obras maestras subestimadas en el mejor de los casos. Esto es particularmente notable dentro del género de acción, donde Rotten Tomatoes ha juzgado mal varias gemas ocultas.

The Fast and the Furious: Tokyo Drift es lo más destacado de la franquicia

La serie «Fast & Furious» ha sido un pilar del cine contemporáneo desde su debut en 2001, abarcando un impresionante total de 11 películas a lo largo de varias décadas. Estas películas han recibido elogios por su profundidad emocional y sus impresionantes secuencias de acción, así como críticas por traspasar los límites en múltiples ocasiones. Cuando se estrenó «Rápido y Furioso: Deriva de Tokio» en 2006, la franquicia era relativamente nueva, aún encontraba su ritmo y, por primera vez, profundizaba en aventuras más allá de las escapadas de los personajes principales Brian y Dom. En esta película, titulada «Tokyo Drift», el mundo de «F&F» viajó a través del océano, narrando la historia de un estudiante de secundaria estadounidense llamado Sean que se abrió camino a través de la distintiva cultura de las carreras callejeras de Tokio.

A pesar de obtener una influencia significativa en la serie y la cultura popular, la película «Tokyo Drift» recibió una calificación de «podrida» en Rotten Tomatoes. Aunque la película tiene imperfecciones, ofrece una de las historias más concentradas de la franquicia Fast & Furious, presentando una gran cantidad de personajes intrigantes (un rasgo que la serie puede acertar o fallar) y emocionantes secuencias de carreras, una característica más frecuente. en estas películas. A pesar de no recibir el debido reconocimiento por parte de algunos espectadores, «Tokyo Drift» se erige como un punto culminante notable de la franquicia Fast & Furious, con su concepto único y su icónica canción vinculada que aún genera una discusión generalizada dentro de esta extensa serie.

Constantine es una adaptación de cómic enormemente subestimada, aunque defectuosa

Hoy en día, los cómics se convierten con frecuencia en películas de gran éxito, pero este fue un movimiento más atrevido a principios de la década de 2000, ya que muchas adaptaciones de cómics se consideraban cine ligero. La película de 2005 Constantine, dirigida por Francis Lawrence, por ejemplo, presentaba a un personaje menos conocido que no formaba parte del reino de los superhéroes. John Constantine, un exorcista con una historia turbulenta, era un personaje de DC Comics lleno de potencial para historias intrigantes. Elegir a Keanu Reeves para interpretar a un personaje tan complejo resultó ser una decisión astuta, ya que su interpretación aportó profundidad y sutileza al comportamiento del personaje.

La película, protagonizada por Rachel Weisz, Shia LaBeouf y Tilda Swinton, fue una exploración escalofriante de un área a menudo descuidada dentro del universo DC, explorando temas como demonios, ángeles y otros conceptos místicos arraigados en la Biblia. Aunque no fue muy apreciado cuando se lanzó inicialmente, desde entonces se ha ganado un culto dedicado, lo que indica la necesidad de reevaluarlo como una joya escondida en el contexto actual. Francis Lawrence, quien más tarde se hizo famoso por dirigir la mayor parte de la serie Los juegos del hambre, creó hábilmente este personaje intrigante, y el elenco elevó los temas subyacentes a nuevas alturas, convirtiendo a Constantine una película que quizás fue subestimada. Aún más tentadora es la noticia de que pronto se desarrollará una secuela tan esperada, deleitando a los fanáticos que se han mantenido leales a pesar de su recepción inicial.

Equilibrium es una película convincente transmitida por sus actuaciones

En ocasiones, tener actores conocidos en una película no es suficiente para que sea un éxito por sí solo, pero en otras ocasiones, unas actuaciones sólidas pueden realzar incluso una trama confusa. Esto es exactamente lo que sucedió con la película «Equilibrium», de hace 20 años, a pesar de sus numerosos defectos. La actuación de Christian Bale y Sean Bean jugó un papel importante a la hora de darle a la película un carácter distintivo. La trama de esta película es bastante inusual, ya que profundiza en la distopía, imponiendo un control emocional total y presagiando una Tercera Guerra Mundial. Aunque el concepto es cuestionable como base sólida, el protagonista, John, aporta un sentido de humildad a una narrativa que de otro modo sería fría.

En la película «Equilibrium» destaca el personaje de Taye Biggs, Aaron, que comparte una dinámica encantadora con Bale. Su presencia contribuye al buen funcionamiento de los puntos más peculiares de la trama de la película. A pesar de su baja calificación en Rotten Tomatoes, la película fue muy apreciada en general y muchos otros críticos le otorgaron calificaciones más altas. Parece que el carácter exagerado y poco convencional de la película le permitió encontrar público, a pesar de algunas críticas de algunos críticos.

Prince of Persia: The Sands of Time es una versión emocionante del icónico videojuego

A finales de la década de 2000 y principios de la de 2010, Walt Disney Corporation experimentó un cambio significativo en su dirección creativa, impulsado principalmente por la inmensa popularidad de la serie Piratas del Caribe. Esto provocó un aumento de producciones centradas en géneros de acción y aventuras. Una figura clave detrás de este cambio fue Jerry Bruckenheimer, un conocido productor que había trabajado en las películas de Piratas y que también contribuyó a proyectos como El aprendiz de brujo, Tesoro nacional y el más alegre G-Force. Uno de sus otros trabajos notables fue producir la adaptación de 2010 del videojuego de Ubisoft, The Prince of Persia, con Mike Newell dirigiendo y Jake Gyllenhaal interpretando al personaje principal, el Príncipe de Persia.

A pesar de algunas críticas por su limitada diversidad de personajes, la película «Prince of Persia: Las arenas del tiempo» ofrece una aventura mágica y estimulante que resume con éxito el intenso espíritu de la serie de videojuegos. Jake Gyllenhaal, aunque quizás mal interpretado, ofrece una actuación encomiable. Ben Kingsley y Gemma Arterton añaden profundidad a sus papeles, contribuyendo a la atmósfera exagerada prevista para la película. La excelente música de Harry Gregson-Williams y el excepcional trabajo de efectos visuales elevan a «Prince of Persia: The Sands of Time» por encima de sus defectos percibidos, convirtiéndola en una película que merece reconocimiento más allá de ser etiquetada como «podrida».

Júpiter Ascending es una divertida ciencia ficción con un elenco estelar

Cuando Júpiter Ascending llegó a las pantallas en 2015, las hermanas Wachowski ya se habían establecido como creadoras hábiles, como lo demuestran sus obras como The Matrix, V for Vendetta y Speed ​​Racer. Estas películas mostraron su capacidad para construir mundos complejos y grandiosos que capturaron la imaginación del público. Júpiter Ascending podría verse como uno de sus proyectos más audaces en mucho tiempo, siendo su primera historia original desde que concluyó The Matrix Trilogy. Esta película se desarrolló en un nuevo universo de ópera espacial lleno de una rica historia, decisiones creativas intrigantes y un tono único que no conectó del todo con algunos espectadores.

Es justo decir que la película «Jupiter Ascending» puede no ser del agrado de todos debido a su estilo único y su trama poco convencional, como lo indica su calificación más baja en Rotten Tomatoes. Sin embargo, la película cuenta con un elenco impresionante, encabezado por Channing Tatum y Mila Kunis, quienes aportan una sensación de realismo a los extravagantes conceptos de la película, haciéndolos más accesibles para muchos espectadores. La película combina intensidad dramática con humor, creando un flujo fluido de trama y construcción del mundo que recuerda a las óperas espaciales clásicas.

Tomb Raider es una adaptación sólida de su material original

Lara Croft, reconocida figura de acción y leyenda de los videojuegos, apareció anteriormente en dos películas en 2001 y 2003 con Angelina Jolie interpretando al personaje principal. En «Tomb Raider» de 2018, Warner Bros pretendía rejuvenecer la serie presentando una visión más realista, inspirándose en los temas más oscuros del juego introducidos en su remake de 2013, en lugar de en cualquier otro período del personaje de Lara. El resultado fue una película que, si bien no desagradó a todo el mundo, fue rápidamente eclipsada por los espectadores ocasionales.

Un aspecto notable de la película radica en su interpretación de Lara Croft como un personaje de pleno derecho, que evita la cosificación y, en cambio, enfatiza su individualidad de una manera más edificante. La actriz Alicia Vikander añadió profundidad a este papel, a pesar de que la historia que tenía era algo débil, asemejándose a una adaptación menos compleja de la intrincada narrativa del juego de 2013. A pesar de la cancelación de la secuela prevista tras el brote de COVID-19, Amazon Studios está preparando otra nueva versión, aunque no han proporcionado ninguna actualización desde su anuncio en enero de 2023.

El Llanero Solitario es una reinvención colorida y amplia del personaje icónico

Un triunfo más en la serie de exitosas producciones de Disney de Jerry Bruckheimer fue la película de 2013, El llanero solitario. Este esfuerzo del director de Piratas del Caribe, Gore Verbinski, tenía como objetivo rejuvenecer al antiguo personaje occidental y a su compañero nativo americano Tonto, interpretados por Armie Hammer y Johnny Depp respectivamente. Aunque la elección de Depp como el guerrero comanche generó cierta controversia, ambos actores realizaron interpretaciones cautivadoras como el personaje principal y su compañero. Verbinski incorporó hábilmente elementos de la popular serie Piratas del Caribe en esta película, lo que dio como resultado emocionantes escenas de acción y una armoniosa mezcla de alegría y tensión.

El Llanero Solitario es una de las películas más sólidas de este arquetipo de Bruckheimer, que recontextualiza El Llanero Solitario para el público moderno y al mismo tiempo se mantiene fiel al encanto atemporal de su personaje. Si bien algunos de los ritmos cómicos funcionan bien, otros frenan la narrativa en momentos en los que debería tomarse en serio, pero esto se reduce a lo que el público busca cuando se sienta a ver la película. No importa desde qué ángulo la abordes, El Llanero Solitario es una joya enormemente subestimada de esta era de la compañía Disney que merece mucho más que una calificación de ‘Podrido’ y mucho más reconocimiento por parte de Disney y los productores de la película. fanáticos por igual.

La premisa inspirada de Waterworld lo lleva al éxito

Es seguro decir que Waterworld fue recibido con mucho más que anticipación cuando se lanzó. Como la película más cara jamás producida en ese momento, se esperaba que ofreciera una película de acción de ciencia ficción inolvidable que se convertiría en un clásico cinematográfico, protagonizada por el ícono de la industria Kevin Costner y una premisa única que insinuaba algo extraordinario. Lamentablemente, a pesar de sus grandes ambiciones, la película no logró recuperar sus costos de producción y no dejó un impacto duradero en los espectadores. No fue un completo fracaso ni desagradó universalmente, pero no cumplió con las expectativas del estudio de un jonrón.

A lo largo de los años, la película «Waterworld» ha acumulado una base de fanáticos devotos que han defendido constantemente su influencia duradera a través de productos, reediciones y elogios continuos. Más allá de las elevadas expectativas puestas en ella, lo que queda es un extraordinario viaje de ciencia ficción que se distingue de otras películas y transforma una idea brillante en una producción competente. A pesar de enfrentar dificultades para establecer su identidad cuando se estrenó por primera vez, «Waterworld» no debería ser etiquetada para siempre como una película «mala» y su relevancia para la cultura contemporánea merece una reevaluación y tal vez incluso una redención.

El tren bala es un momento explosivamente divertido que merece todo el entusiasmo

Desde una perspectiva cultural, se podría esperar que «Bullet Train» sea una película de acción muy aclamada por estrellas como Brad Pitt, dada su reputación. Sin embargo, los críticos de Rotten Tomatoes tenían opiniones variadas sobre la película. «Bullet Train» fue una película de acción vibrante y llena de adrenalina adaptada de la novela japonesa de 2010 «Maria Beetle«, que inesperadamente se convirtió en un éxito de taquilla durante el fin de semana de Pascua de 2022. La película mantuvo su impulso. tras su lanzamiento digital, ganó reconocimiento por su tono distintivo, secuencias de acción hábilmente coreografiadas y su encantador conjunto de personajes.

Aunque la película recibió críticas mixtas de muchos críticos debido a que su estilo único y cursi no fue amado universalmente, y algunos criticaron la falta de actores japoneses en papeles destacados dada la ambientación de la película, el autor del material original, Kōtarō Isaka, consideró que esto era un No fue un problema ya que sus personajes eran racialmente ambiguos. A pesar de la cuestionable recepción de la película en plataformas como Rotten Tomatoes, todavía puede considerarse un éxito e incluso un clásico de culto, aunque quizás no sea universalmente adorada por los críticos, quienes en ocasiones pueden haber juzgado mal su atractivo. Puede que la película no haya sido innovadora, pero ciertamente brindó una experiencia agradable, que era su intención principal.

Sucker Punch es un regalo visual que necesita más respeto

Zack Snyder, reconocido por su extenso trabajo como director, siempre ha sido un gusto adquirido a lo largo de su carrera. Para decirlo claramente, la gente aprecia profundamente su estilo o no le gusta mucho. Esta dicotomía se remonta a películas como «Sucker Punch», que tal vez no hayan tenido el mismo atractivo que sus trabajos anteriores, pero aun así mostraron el mismo estilo audaz y potencial creativo.

Inicialmente, «Sucker Punch» parece ser una película de acción extravagante e irreflexiva que retrata a las mujeres de una manera estereotipada y pasa por alto la importancia de las protagonistas femeninas fuertes. Sin embargo, tras una inspección más cercana, la trama de la película pretende desafiar esta misma noción, sirviendo como una poderosa descripción del feminismo. El estilo característico de Snyder, marcado por conceptos elaborados, escenarios oscuros y secuencias de acción impresionantes, es evidente en todo momento. Aunque podría haber sido más impactante si la hubiera dirigido una mujer, la película sigue siendo una adición intrigante a la obra de Snyder y al género de películas de acción protagonizadas por mujeres. A pesar de sus dificultades iniciales para atraer al público, con el contexto adecuado, puede reinterpretarse como una de las películas de acción más pasadas por alto de la década de 2010.

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2024-09-15 06:09